Crítica: GIRLS LIKE GIRLS - UMA HISTÓRIA DE AMOR ENTRE GAROTAS de "Hayley Kiyoko"

 Amor entre Garotas! 👩‍❤️‍👩👩‍❤️‍👩

​    A cantora e compositora queer Hayley Kiyoko, de 35 anos, transformou seu videoclipe marcante em um doce longa-metragem sobre descobertas e vivências na adolescência. Amplamente celebrada como um dos maiores ícones da música pop sáfica e da defesa da comunidade LGBTQIAPN+,  sendo carinhosamente apelidada por seus fãs de "Lesbian Jesus", ela ganhou destaque internacional ao trazer narrativas abertamente queer para o topo das paradas e para a cultura pop. Agora, Hayley Kiyoko faz sua aguardada estreia na direção de longas-metragens com Girls Like Girls, um drama romântico adolescente delicioso de assistir. 

​    Na história, Coley (Maya da Costa), uma garota de 17 anos da zona rural do Oregon, enfrenta a perda de sua mãe e um momento de autoconhecimento. Ao conhecer Sonya (Myra Molloy), novos sentimentos despertam, mas as dúvidas sobre si mesma dificultam a conexão entre elas. Ainda que seja uma história simples e sem muitas surpresas, o filme traz uma premissa lendária para uma certa geração de mulheres queer cheias de atitude. 

​    "Girls Like Girls" é baseado em uma canção viral da era Tumblr que ajudou a moldar a cultura lésbica na era digital. O conto de fadas ensolarado de Kiyoko sobre duas adolescentes que se apaixonam em meio a um cenário turbulento de saudade suburbana e desejos ocultos é aquele tipo de história fundamental para a comunidade LGBTQIA+, principalmente para a letra L da sigla. É lindo acompanhar essa narrativa feita com bastante alma e coração. 

    ​Produzido em parceria com a Focus Features, braço independente da Universal Pictures, trazer aos cinemas algo tão simbólico para a comunidade LGBTQIA+ é, sem dúvidas, uma maneira criativa de atrair o público da internet para experiências no mundo real e integrar diferentes públicos à realidade de garotas que gostam de garotas. O filme estreou no circuito de festivais, com lançamento programado nos cinemas de vários países (incluindo o Brasil), e entrega uma história encantadora para todes. 

​Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️⭐️ MUITO BOM

#girlslikegirls #girls #LGBTQIAPN #filme #cinema

Crítica: GODZILLA MINUS ZERO de "Takashi Yamazaki"

 Um espetáculo! 🐊🐊🐊

​    Dando continuidade à história de seu antecessor, Godzilla Minus One (2023), vencedor do Oscar de Melhores Efeitos Visuais, e reforçando tudo o que o tornou o longa mais aclamado da franquia desde que o Rei dos Monstros emergiu do Oceano Pacífico em 1954, a sequência direta Minus Zero é uma diversão estrondosamente barulhenta e frequentemente espetacular. A trama acompanha um povo frágil que luta para manter o novo equilíbrio que tanto se esforçou para alcançar desde que seu país se tornou o epicentro da era nuclear, reformulando os personagens do primeiro filme: de vítimas para sobreviventes. 

    ​Ambientado por volta de 1949, dois anos após os eventos anteriores, o enredo traz o kaiju Rei Ghidorah, um lendário monstro de três cabeças que cai na Terra a partir de um meteorito e se torna a nova grande calamidade no devastado Japão. Diante de uma nova catástrofe iminente, a questão deixa de ser apenas como sobreviver a mais um ataque, mas também como impedir que toda a reconstrução conquistada até aquele momento seja destruída. 

​   Após o enorme sucesso de Minus One, houve uma preocupação ainda maior com a imersão nessa sequência, desde a filmagem em IMAX até a trilha sonora e os efeitos especiais, que estão ainda mais impressionantes. O trabalho de edição e mixagem de som é maravilhoso: o espectador consegue ouvir cada movimento do monstro, cada grunhido e rugido, cada detalhe sonoro que marca a presença da criatura naquele espaço. A história avança sem perder tempo com longas apresentações, embora existam momentos de alinhamento entre os personagens. 

​    O equilíbrio entre as cenas de ação e o drama humano é o grande ponto forte da obra. A produção não precisa transformar cada sequência em um espetáculo de destruição para prender a atenção do público. Quando Godzilla finalmente dá as caras, sua presença continua tendo um peso imenso, e isso faz toda a diferença na experiência, demonstrando a preocupação do roteiro em dar consequências reais a cada confronto. Godzilla Minus Zero reafirma o excelente momento das produções asiáticas e consolida o personagem como uma verdadeira potência cinematográfica. 

​Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️⭐️ ÓTIMO

#godzilla

Crítica: VICENTINA PEDE DESCULPAS de "Gabriel Martins"

 Uma jornada de dor! 🫂🫂🫂 

​    Vicentina Pede Desculpas, novo filme da Netflix, revela um leque complexo de camadas realistas e de reações ao luto e à tragédia. Com a delicadeza do diretor Gabriel Martins (Marte Um), o filme aborda a responsabilidade materna e a dor humana em uma obra dura. A história tem um ritmo lento e denso, com 2h28 de duração, o que pode prejudicar um pouco a experiência, tornando-a repetitiva e esgotando parte de seu apelo sentimental, mas ainda assim é uma produção que transborda alma e coração. 

    ​Vicentina (Rejane Faria) é uma professora aposentada que vive em Belo Horizonte. Em um dia que parecia ser igual a tantos outros em sua rotina pacata, uma notícia avassaladora chega: o ônibus da Linha 2212, dirigido por seu filho Wesley (Renato Novaes), sofre um trágico acidente com muitas vítimas. Completamente dilacerada pelo ocorrido, acuada pela mídia sensacionalista que não dá sossego e alimenta especulações, e sem saber como seguir em frente, ela resolve procurar as famílias das demais vítimas para pedir desculpas. 

​   Rejane Faria, que interpreta a personagem-título, entrega uma atuação sensível e calorosa. A atriz, muito conhecida por seu brilho no teatro mineiro, também se destaca no cinema em produções da Filmes de Plástico, importante produtora brasileira que vem dando visibilidade e fortalecendo atores e histórias de Minas Gerais em filmes como Temporada e Se eu fosse vivo...vivia. Vicentina é uma personagem que transmite o luto e a culpa moral de forma contida, mas também visceral, sem cair em armadilhas melodramáticas graças ao talento da atriz, que carrega o filme nas costas.

​     A peregrinação de Vicentina para entrar em contato com os familiares das vítimas, aliada ao sentimento de culpa e dor, transforma a narrativa em um estudo intenso sobre o luto e as incertezas da vida. A exaustão interior se transforma gradualmente em um fardo cada vez mais debilitante, revelando a força de caráter e a determinação da personagem. Vicentina Pede Desculpas perde um pouco de impacto com sua longa duração, mas consolida-se como uma bela obra cinematográfica. 

​Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️⭐️ MUITO BOM

#vicentinapededesculpas #netflix #cinemabrasileiro

Crítica: CAVALO SELVAGEM NOVE (Wild Horse Nine) de "Martin McDonagh"

 Sátira melancólica e voraz! 💬💬💬 

     Cavalo Selvagem Nove é a nova investida do diretor Martin McDonagh conhecido pelo clássico contemporâneo "Três Anúncios para um crime", o filme é sobre uma dupla de assassinos fanáticos que embarcam numa viagem de amigos ao purgatório (onde examinam suas almas) ambientado na linda Ilha de Páscoa e tendo como pano de fundo a ascensão de Augusto Pinochet ao poder no outono de 1973. Esta nova narrativa é uma bem-vinda sátira ao intervencionismo americano com todos aqueles termos de moralidade clássico de seus personagens. 

   Chris (John Malkovich), um agente veterano da CIA, tem inúmeras histórias chocantes, uma das quais potencialmente envolve um assassinato presidencial, mas ele também é um mentiroso compulsivo. Ele está tirando férias muito esperadas com seu colega da CIA e melhor amigo, Lee (Sam Rockwell), na Ilha de Páscoa, esta é a última viagem deles juntos, já que Chris está com câncer em estágio terminal, e seu chefe, MJ (Steve Buscemi), deu a Lee a missão de obter provas do envolvimento de Chris em um assassinato presidencial.

    "Cavalo Selvagem Nove" é uma história de amizade com um humor mordaz semelhante ao que foi visto em outro filme do cineasta, "Os Banshees de Inisherin" mas com um toque político adicional mas essencialmente, é uma comédia de amigos, e todo o filme se baseia na dinâmica entre Chris e Lee. Malkovich entrega uma das melhores performances de sua carreira como um agente da CIA. Chris não é particularmente simpático, mas Malkovich lhe confere profundidade. Rockwell é igualmente impressionante como o pilar da dupla. Juntos, o timing cômico deles é estelar, e é aí que o filme brilha. 

   As subtramas políticas são pouco convincentes e a história cínica de McDonagh sobre amizade ressoa moderada, debate os valores humanos em um filme cujas emoções são menos críveis do que suas conspirações. Felizmente, Malkovich e Rockwell são profissionais habilidosos e seus diálogos magistrais sustentam o filme inteiro. 

Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️ BOM

#cavaloselvagemnove #wildhorsenine #drama #oscar #cinema

Crítica: O SENTIDO DA VIDA (All of a Sudden) de "Ryusuke Hamaguchi"

 ​De perto, ninguém é normal! 😊😊😊

​    O Sentido da Vida (All of a Sudden), novo filme do vencedor do Oscar Ryusuke Hamaguchi (Drive My Car), é um drama gracioso e multifacetado sobre a humanidade. Coproduzido internacionalmente entre França, Japão, Alemanha e Bélgica, o longa foi selecionado como o representante japonês para o Oscar 2027 de Melhor Filme Internacional. Com sua estreia mundial na competição principal do 79.º Festival de Cannes, a produção consagrou Virginie Efira e Tao Okamoto, que dividiram o prêmio de Melhor Interpretação Feminina.

​    Na trama, Efira interpreta Marie-Lou, a diretora de uma casa de repouso nos subúrbios de Paris que tenta introduzir uma técnica humanizada de cuidado conhecida como "Humanitude", apesar da forte resistência ao seu redor. A sua rotina muda drasticamente quando ela conhece uma dramaturga japonesa em estado terminal chamada Mari Morisaki (Tao Okamoto).

    O cineasta japonês Ryusuke Hamaguchi não economiza tempo em sua obra: são mais de três horas de duração que entregam uma história rica em vertentes de comunicação, humanismo e arte. A narrativa proporciona momentos de beleza únicos, como um passeio poético pelas ruas parisienses e os bastidores de uma crise na instituição gerida por Marie-Lou, além da forte troca entre as duas protagonistas e suas visões sobre os diversos males que afligem a humanidade.

   As dificuldades pessoais ligadas a relacionamentos, cansaço, falta de tempo, dinheiro e sonhos formam o mosaico que Hamaguchi conduz com maestria em suas produções. Cada tema revela uma visão humanista e cuidadosa, fazendo com que O Sentido da Vida flua de forma serena, ainda que traga pautas políticas e delicadas de urgência latente. No fim, é um filme sobre a necessidade de sermos pessoas melhores, transformando a longa conversa entre Marie-Lou e Mari em uma verdadeira lição de que o verdadeiro sentido da vida reside em tratar pessoas como humanos.

​Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️⭐️⭐️ HYPE

#osentidodavida #allofasudden #cannes #oscar #festivaldecinemafrancêsdobrasil

Crítica: ASSALTO À BRASILEIRA de "José Eduardo Belmonte"

 Jeitinho Brasileiro! 🇧🇷🇧🇷🇧🇷 

​   Dirigido por José Eduardo Belmonte (Alemão, Uma Família Feliz), Assalto à Brasileira é inspirado em um dos assaltos a banco mais emblemáticos do país e combina tensão policial e situações inusitadas com um domínio técnico notável. O filme resgata o clima caótico dos anos 1980 sem perder a agilidade contemporânea, utilizando a estética da época não apenas como pano de fundo visual, mas como um elemento pulsante na condução da trama e na construção de seus personagens. 

     ​Na história, em 10 de dezembro de 1987, ainda pela manhã, sete homens armados invadiram uma agência bancária na cidade de Londrina, no interior do Paraná, e fizeram centenas de reféns. Um jornalista desempregado (Murilo Benício), também feito refém, enxerga a oportunidade de retomar sua carreira com um furo jornalístico, mas, para isso, precisa sobreviver aos criminosos, à incompetência policial e à sua própria ambição. Ele fica responsável pelas negociações entre os bandidos e a polícia; com o tempo, populares e a imprensa invadem o espaço externo ao assalto e fazem da situação um espetáculo midiático. 

​    O episódio retratado no filme ficou conhecido como o ataque à agência do Banestado, marcando época pelas particularidades da situação. O ritmo do longa se destaca pela capacidade de equilíbrio tonal: é engraçado e, ao mesmo tempo, cheio de tensão, fazendo com que o espectador acompanhe o desdobramento da invasão com o coração na boca enquanto se diverte com o absurdo gerado pelas interações imprevisíveis dentro e fora do banco. O roteiro constrói diálogos ágeis e explora com inteligência a dinâmica entre os assaltantes, os reféns e a força policial. 

​    Certeiro no humor e na narrativa, o filme entrega uma experiência envolvente que transcende o mero relato de um crime real para desenhar um retrato provocativo de um Brasil sufocado pela crise. Ao final, a obra reafirma a vitalidade do cinema nacional em transformar eventos históricos em um espetáculo cinematográfico vibrante e altamente divertido. 

​Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️⭐️ (MUITO BOM)

#assaltoabrasileira #cinemanacional #cinemabrasileiro #cinema #murilobenicio 

Crítica: MEDLEY de "Ana Luíza Azevedo"

 Um mergulho na adolescência! 🏊

​     A transição para a vida adulta raramente acontece de forma linear. Entre tropeços, silêncios familiares e a urgência de encontrar o próprio lugar no mundo, a adolescência é um território muitas vezes turbulento e solitário. É exatamente essa atmosfera de descobertas e cicatrizes que Medley, adaptação do livro homônimo de Keka Reis com direção sensível de Ana Luíza Azevedo, traz para as telas. Mais do que um "coming-of-age" tradicional, o filme se revela como uma obra profundamente humana, daquelas que nos envolvem com facilidade e nos convidam a revisitar nossas próprias fragilidades. 

​     Na trama, acompanhamos Lola (vivida por Mel Maia), uma jovem retraída cuja personalidade é fortemente marcada pela misteriosa ausência do pai. Adicione a isso uma relação espinhosa e desgastada com a mãe, e o cenário para o isolamento está armado. É após um conflito familiar mais intenso que Lola toma uma decisão drástica: passar as férias sozinha em outra cidade. Longe de casa, o que parecia ser apenas um retiro forçado transforma-se em um ponto de virada. 

​    O grande trunfo de Medley reside na autenticidade de sua condução e, sobretudo, na entrega de seu elenco. É impossível falar do sucesso dessa jornada sem destacar o trabalho de Mel Maia. Acompanhar a atuação da atriz em Medley é testemunhar um marco importante: o amadurecimento artístico de quem cresceu sob os olhares do público desde os tempos de Avenida Brasil. Aqui, Mel entrega uma Lola vibrante, autêntica e carregada de nuances, despindo-se de qualquer vestidura infantil para abraçar uma personagem complexa, com o frescor e a urgência que a juventude exige. 

   ​Por fim, Medley acerta em cheio por retratar a juventude e o amadurecimento exatamente como eles são: imperfeitos, doloridos, mas incrivelmente belos. A gente cresce tropeçando, encarando ausências que parecem insuperáveis, mas descobre que é justamente no processo de reconstrução que a vida ganha sentido. No fim das contas, mesmo quando os obstáculos parecem paralisantes, a vida continua nos chamando de volta para a borda da piscina, provando que o movimento nunca para. 

​Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️⭐️ MUITO BOM

#medley #vitrinepetrobras

Crítica: A TERRA DO MEU PAI (Fatherland) de "Paweł Pawlikowski"

 Obra-prima de Pawlikowski! 🎬🎬🎬

   ​O cineasta polonês Paweł Pawlikowski, conhecido por seu estilo visual minimalista, fotografia marcante e narrativas históricas e intimistas, não decepciona em seu mais novo filme. Inspirada em uma história real, a obra aborda a guerra e o pós-guerra em traumas que afetaram e afetam até hoje nossas vidas. ​A poderosa atriz Sandra Hüller estrela como a filha do escritor alemão Thomas Mann (Hanns Zischler), encarregada de acompanhá-lo em uma jornada emocionante e arriscada pela Alemanha dividida de 1949, capitalista ao Oeste e comunista ao Leste, neste road movie meticulosamente construído pelo diretor. 

     O preto e branco marcante, a proporção de tela clássica e a veia de fatalismo permeia as identidades conflitantes: você sabe exatamente quando está assistindo a um filme de Pawlikowski. Seu trabalho mais recente nos leva a uma travessia melancólica em um país dividido, com uma pátria fraturada, mas também com uma profunda ruptura de interesses. Pawlikowski retoma a narrativa exatamente de onde parou nos premiados Ida (2013) e Guerra Fria (2018), talvez completando uma trilogia informal. 

   Em seu estilo conciso e friamente sentimental, o cineasta explora temas como identidade, família, amor e culpa em meio ao caos da Europa do pós-guerra. Trata-se de mais uma odisseia rigorosamente construída com sua predileção por espaços vazios, momentos em salas de conferência e salões de banquetes, diálogos enxutos em uma montagem precisa. 

​    O fato de Pawlikowski contar a história de figuras reais se revela um desafio fascinante para um diretor que, anteriormente, criava personagens fictícios para servirem como vetores de memória histórica. A Terra do Meu Pai (representante polonês para a categoria de Melhor Filme Internacional no Oscar 2027) tem suas limitações, mas suas atuações cativantes, o impacto de sua ambientação e momentos brilhantes de forte apelo emocional faz a obra ser um clássico instantâneo do cinema contemporâneo. 

​Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️⭐️⭐️ HYPE

#aterradomeupai #fatherland #pawlikowski

#cinema #oscar

Crítica: I WANT YOUR SEX de "Gregg Araki"

 Provocador! 🫦🫦🫦

​    O diretor americano Gregg Araki, figura central do movimento "New Queer Cinema" e conhecido por seu olhar alternativo e melancólico sobre os jovens, sempre esteve associado a filmes polêmicos como Geração Maldita (1995), Mistérios da Carne (2004) e Kaboom (2010). O cineasta sempre integrou um forte apelo sexual livre em suas obras e retorna ao cinema em tempos de retrocesso, marcado por um fechamento conservador e por um certo desinteresse juvenil pelo sexo. I Want Your Sex é uma comédia divertida que traz uma mensagem central clara: não há problema em sentir tesão, em fazer sexo e em explorar os desejos mais íntimos. 

​   Na história, o jovem e ingênuo Elliot (Cooper Hoffman), em crise sexual com sua namorada (Charli XCX), consegue um emprego empolgante com a renomada artista, ícone e provocadora Erika Tracy (Olivia Wilde, divertindo-se horrores no papel). O trabalho acaba por aflorar suas fantasias, que se tornam realidade quando Erika o escolhe para ser seu muso sexual. Mas Elliot logo se vê em apuros, à medida que Erika o conduz a uma jornada mais profunda do que ele jamais poderia ter imaginado, um universo de sexo, obsessão, poder, traição e assassinato. 

   ​Ao revestir esse princípio de "liberdade sexual" com uma sátira cômica, ainda que não tão potente, Araki argumenta que o sexo é a verdade mais inquestionável que nos resta em uma época em que tudo o mais está deformado. Para isso, utiliza-se a arte liberal como chamariz para a história. Ainda que essa abordagem pareça menos interessante do que poderia ser, tal essência se encaixa bem na forma como Erika usa sua obra como desculpa para dominar seu novo assistente. 

    ​I Want Your Sex é despretensioso, quase implorando ao seu público que transcenda o trauma psicológico de amadurecer em um mundo cada vez mais digital, onde ninguém se sente totalmente seguro na busca pelo desejo ou ao ser visto por quem realmente é. É muito legal ver o personagem principal correr riscos, agir como um completo idiota e tomar decisões hilariamente ruins.

Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️ BOM

#iwantyoursex #greggaraki #sex #filmes #cinema

Crítica: AS DEZ VANTAGENS DE MORRER DEPOIS DE VOCÊ de "Diego Freitas"

 

Uma lição de vida! 😢😢😢

​    As Dez Vantagens de Morrer Depois de Você é baseado no livro homônimo de Fernanda Castro Lima e traz uma narrativa focada no público jovem, abordando temas urgentes como saúde mental e a morte em uma fase em que angústias, sonhos e medos explodem com forte intensidade. A trama vai muito além de uma simples história sobre amizade: ela debate como lidamos com o luto, lembrando que a dor não passa rápido pois é um processo, além de escancarar a dificuldade de continuar depois da perda.

​     Arrasada após a morte trágica de sua melhor amiga, Júlia (Giulia Be), Gabi (Any Gabrielly) descobre que ela deixou um presente de despedida inesperado: dez cartas com desafios para ajudá-la a superar o luto. Esse roteiro epistolar é o pontapé inicial que movimenta a protagonista. Para cumprir a jornada, ela conta com a ajuda de Lorena (Pâmela Germano), que surge em sua vida de forma inesperada e se mostra completamente diferente dela.

​     Ainda que seja um filme cativante e eficiente para as gerações Z e Alfa, trata-se de uma história universal que mistura humor e melancolia. Este é um grande acerto do diretor Diego Freitas, que soube conduzir a trama alternando momentos de forte carga dramática com situações descontraídas e bem-humoradas. Destaque também para as boas atuações do elenco principal; entre os coadjuvantes, o personagem de Leo Jaime é gracioso e traz muita sensibilidade à tela com sua história.

​    A trama por vezes abusa de frases de efeito, flerta com tons novelescos ou cai em momentos levemente piegas ao tentar potencializar o drama mas nada disso atrapalha a força de sua mensagem. A premissa é direta e foca em como a realização dos desafios ajuda Gabi a sair de um estado depressivo e a se reconectar com a vida. Só isso já vale cada minuto deste filme, pois nos lembra que seguir em frente não significa esquecer quem partiu: preservar a memória de alguém é também encontrar formas de continuar existindo, mesmo nos dias mais difíceis. Eu não me recordo de ter chorado tanto com um filme quanto com este. Imperdível!

​Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️⭐️ ÓTIMO

#asdezvantagensdemorrerdepoisdevocê #cinemabrasileiro #saudemental #filme #cinema

Crítica: FEITO PIPA (Gugu"s World) de "Allan Deberton"

 Gugu, I Love You! 😍😍😍 

    A leveza da infância, o sopro da liberdade e o brilho do Nordeste no cinema, existe uma tendência no cinema brasileiro de retratar o interior do Nordeste através da lente implacável da dureza, da seca, da pobreza e da violência. Mas Feito Pipa escolhe um caminho corajoso e luminoso. Ao fazer isso, entrega uma história bonita que olha para essa mesma região e enxerga espaço para brilho, glitter e liberdade.

    A metáfora da pipa, que dá título ao filme, ganha contornos poéticos logo na cena em que o protagonista Gugu (interpretado com muita sensibilidade por Yuri Gomes) a prepara para voar. O colorido, a dança ao sabor do vento e o fio controlado pelas mãos de quem a segura dizem muito sobre aquele menino de 11 anos. A imprevisibilidade do vento representa o mundo de Gugu e do conservadorismo social.

    ​Logo na abertura, somos cativados por Gugu dançando com trejeitos livres e femininos ao som de hits dos anos 1980 (músicas que pertenciam à memória de sua mãe, já falecida). A partir daí, o roteiro costura com delicadeza uma rede densa de temas: a ausência materna, a convivência com a avó Dilma (vivida por Teca Pereira), que é extremamente protetora mas enfrenta os avanços do Alzheimer, e a figura de um pai (Lázaro Ramos) que tenta forçar uma masculinidade rígida sobre o filho. 

​    Apesar de um certo incômodo com o ritmo em alguns momentos e da opção por um final aberto que deixa algumas pontas, o cinema brasileiro contemporâneo encontra neste recorte da infância um espelho perfeito dos conflitos do nosso tempo: o garoto que enfrenta o bullying na tela representa muito mais do que a si mesmo; ele ecoa a voz de uma comunidade que clama por atenção, afeto e respeito. 

​Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️⭐️⭐️ HYPE

#feitopipa #gugusworld #oscar #brasil #cinemabrasileiro

Crítica: RAZÃO E SENSIBILIDADE (Sense and Sensibility) de "Georgia Oakley"

 Sessão da Tarde! 💌💌💌

     A adaptação de "Razão e Sensibilidade" (2026), dirigida por Georgia Oakley, revisita o clássico de Jane Austen com uma proposta visualmente deslumbrante, aconchegante e convidativa. Transportando o espectador com extrema delicadeza para a atmosfera campestre do século XVIII, o longa funciona como um verdadeiro refúgio cinematográfico. Mais do que uma simples recriação de época, a obra constrói um espaço acolhedor e agradável, perfeito para quem busca escapar momentaneamente da realidade através de uma estética impecável e envolvente.

    No centro da narrativa estão as irmãs Marianne e Elinor Dashwood que, após a trágica morte do pai, enfrentam a dura vulnerabilidade social da época. Sem a proteção de um patriarca e dependentes da benevolência alheias, elas precisam deixar sua antiga residência para viver em uma propriedade modesta no campo. É justamente ao priorizar a complexa e profunda relação entre as irmãs em detrimento do romance tradicional que a diretora consegue imprimir uma identidade própria, impregnada de um tom melancólico e intimista. 

​    As atuações elevam consideravelmente o projeto, com destaque absoluto para o talento do elenco principal. Daisy Edgar-Jones brilha intensamente como Elinor, Esmé Creed-Miles complementa a dinâmica como Marianne, enquanto a veterana Fiona Shaw rouba a cena ao injetar ternura e profunda compaixão na extravagante Sra. Jennings. 

​     Apesar de tantas qualidades estéticas e interpretações marcantes, o filme peca ligeiramente ao não aprofundar seu núcleo emocional com a mesma força do apelo visual. Algumas passagens dramáticas poderiam ecoar com mais potência se o roteiro explorasse melhor os conflitos internos das protagonistas ou tivesse um pouco mais de ousadia. O tom pudico da história é facilmente contrabalançadas pela atmosfera reconfortante que o longa proporciona do início ao fim. Com um saldo positivo, esta versão se consolida como um entretenimento gracioso e desprentesioso. 

​Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️ BOM

#razãoesensibilidade #senseandsensibility #janeaustin #romance #cinema

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Crítica: O BOSQUE SELVAGEM (Wildwood) de "Travis Knight"

 Simplesmente impecável! 🌳🌳🌳

    ​Uma epopeia emocionante que atinge o nível criativo e a riqueza emocional sombria pelos quais o estúdio de animação Laika é conhecido e ainda eleva o padrão do que pode ser alcançado na animação stop-motion. Obras como Coraline (2009) e Kubo e as Cordas Mágicas (2016) transportaram o público para mundos visualmente deslumbrantes sem jamais abrir mão de narrativas envolventes e instigantes. O Bosque Selvagem, o mais recente filme da Laika e de Travis Knight, que também dirigiu Kubo, dá continuidade a essa tradição com uma história onde o verdadeiro heroísmo muitas vezes é conquistado com sacrifício. 

    ​A saga começa quando a adolescente Prue McKeel, moradora de Portland, desobedece aos pais ao levar seu irmãozinho, Mac, para fora de casa. Durante o passeio, um bando de corvos sequestra o bebê e o leva para a Floresta Impassável, um lugar misterioso onde nenhum humano jamais conseguiu entrar. Sem saber que a magia corre em suas veias, Prue e seu irritante colega de classe, Curtis, embarcam em uma jornada rumo a essa estranha sociedade onde humanos e animais falantes coexistem. 

​     Em O Bosque Selvagem, o preço da bravura é a perda da única coisa que jamais poderá ser substituída: a inocência da juventude. Adaptado do romance homônimo de Colin Meloy (com ilustrações de Carson Ellis), o filme é uma aventura fantástica ambientada em uma terra mística e cheia de camadas,  um reino que parece desconhecido, mas que espelha os conflitos, interesses e divisões iguais ao do nosso mundo. 

​    Enquanto a dura realidade despedaça a visão idealizada que os adolescentes têm da vida, a história preenche seus quadros com esperança e resiliência. O Bosque Selvagem é uma conquista técnica maravilhosa e de forte impacto emocional, que reafirma o valor de uma fantasia bem elaborada e deslumbra o espectador com sua técnica inovadora e meticulosa em stop-motion além de uma aventura emocionante. 

​Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️⭐️⭐️ HYPE

#obosqueselvagem #wildwood #laika #animation #cinema

Crítica: A BOLA PRETA (La Bola Negra) de "Javier Calvo" e "Javier Ambrossi"

 Resiliência QUEER! 🏳️‍🌈🏳️‍🌈🏳️‍🌈 

​    A Bola Preta é um ambicioso drama espanhol com uma estrutura narrativa ousada, um design técnico impressionante e uma forma poderosa de expressar os personagens LGBTQIAPN+ que estão no seu cerne. O filme é uma obra criativamente estruturada que abrange três períodos da cultura espanhola, intercalando três histórias e três épocas vistas através do prisma de homens gays que confrontam sua sexualidade de maneiras pessoalmente desafiadoras e profundamente comoventes. 

​     A parte central da narrativa ancora o filme ao acompanhar Sebastian (Guitarricadelafuente) em 1937, um trompetista de uma pequena cidade, no coração da Guerra Civil Espanhola. As forças nacionalistas acabam recrutando Sebastian à força após encontrá-lo longe de casa, e sua alma sensível precisa trocar seu instrumento por um rifle. As outras duas partes do filme são apresentadas como reações narrativas ao que aprendemos na história de 1937. 

    Em 1932, no auge da rebelião, o jovem e rico Carlos (Milo Quifes) é banido de um cassino local por causa dos rumores sobre sua homossexualidade reprimida. A terceira e última parte se concentra nessa conexão, avançando décadas até 2017. Alberto (Carlos González) um escritor de peças queer recebe documentos antigos com o relato das histórias anteriores. O filme exige um pouco de paciência para que sua natureza circule e seja totalmente compreendida, são quase três horas de duração, que nunca se torna entediante nos momentos de desenvolvimento. 

   Os diretores Javier Calvo e Javier Ambrossi, não se esquivam da carnificina desse período. Há corpos ensanguentados por toda parte e existem momentos de muita beleza também, onde todos os personagens conseguem com delicadeza expor seus sentimentos em meio a dor. A Bola Preta é uma obra deslumbrante, uma epopeia intergeracional banhada em imagens marcantes e música vibrante, em um banquete sensorial que testemunha de forma comovente a perseverança da identidade queer ao longo da história, explorando a identidade e a conexão humana. 

​Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️⭐️⭐️ HYPE

#labolanegra #abolapreta #LGBTQIAPN+ #filme #cinema

Crítica: O OUTRO LADO DAS REDES (The Social Reckoning) de "Aaron Sorkin"

 Alerta importante! 👤👤

​    O filme O Outro Lado das Redes ganha ainda mais relevância neste ano eleitoral. Quem controla o que vemos? Como os algoritmos moldam nossas percepções? Quanto das nossas opiniões é influenciado pela desinformação? Entender as redes é entender parte do jogo político. O problema é que o filme chega em um momento em que boa parte de suas críticas já se tornou conhecida pelo público. Quinze anos depois do sucesso de A Rede Social, Aaron Sorkin retorna ao universo do Facebook no entanto, fica a sensação de que é impossível para qualquer coisa retratada em tela se comparar à imersão real que todas as pessoas com um celular na mão estão vivendo atualmente, principalmente no Brasil, o longa já nasceu datado. 

    ​A história acompanha Frances Haugen (Mikey Madison), a funcionária que decidiu entregar milhares de documentos internos do Facebook ao jornalista Jeff Horwitz (Jeremy Allen White), do Wall Street Journal. Enquanto a investigação avança, Mark Zuckerberg (Jeremy Strong) se prepara para enfrentar questionamentos no Congresso americano sobre os efeitos da plataforma na sociedade. O filme conta uma história que já perdeu parte de sua força. 

    ​O principal destaque de O Outro Lado das Redes está na energia de seu elenco. Mikey Madison entrega uma atuação convincente, e Jeremy Strong também chama atenção como Zuckerberg. As atuações ajudam a manter o interesse, principalmente quando o roteiro se concentra nos conflitos pessoais dos envolvidos, mas o talento do elenco não é suficiente para superar as limitações da história. 

​     O Outro Lado das Redes não é tão refinado quanto a obra anterior de David Fincher, mas ainda assim se consolida como um longa sólido mesmo que não consiga evitar certos exageros no sentimentalismo. A obra termina exatamente onde nos encontramos hoje: em um ponto crucial em que precisamos que o Facebook (agora Meta) preste contas sobre seu controle algorítmico e suas responsabilidades perante a sociedade global. O caos que Zuckerberg e seus colegas magnatas da tecnologia estão desencadeando é cada vez mais assustador. 

​Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️ BOM

#ooutroladodasredes #thesocialreckoning #facebook #meta #metaverse

Crítica: A EXTRAORDINÁRIA VIDA DE VERA VALDEZ de "Fábio Meira" (Mostra Internacional de Cinema em São Paulo)

 A Poética da Memória 👒👒👒​

    Dirigido por Fabio Meira, o documentário debruça-se sobre a trajetória de uma das figuras mais fascinantes, multifacetadas e intempestivas do meio artístico brasileiro. Mais do que uma simples biografia linear, a obra articula-se entre a memória viva, o delírio poético e o rigor histórico, capturando a essência de uma mulher que atravessou a alta-costura parisiense, o teatro de vanguarda e a repressão política sem nunca negociar a sua autonomia.

​    O filme constrói o seu ritmo através de um equilíbrio notável entre o lirismo e a crueza dos fatos. Aos 88 anos (e navegando com lucidez entre a lembrança e o delírio artístico), Vera Valdez revisita os pilares da sua vida. A direção de fotografia e a direção de arte destacam-se ao integrar relatos orais a um acervo de fotos e materiais fotográficos de belíssima composição visual, resgatando a sua estética única desde os tempos em que trabalhou ao lado de nomes como Coco Chanel. 

​    A transição entre o glamour europeu e a militância no Brasil dá ao filme uma densidade política central. O documentário aborda com firmeza a consciência política de Vera e os horrores da ditadura militar brasileira, período em que foi presa e submetida à tortura, expondo o contraste dramático da sua vivência. A sobrevivência à censura e à violência de Estado surge na afirmação da sua vocação enquanto mulher e atriz. 

​     Um dos pontos mais altos da obra reside na sua estrutura e montagem. O encadeamento dos arquivos históricos com cenas performáticas, como a sequência poética do banho, confere ao longa um sopro de frescor sensorial. Além disso de depoimentosde figuras como Vera Holtz e Fernanda Montenegro enriquecem a narrativa, sem contudo roubar o protagonismo absoluto de Vera. A Extraordinária Vida de Vera Valdez celebra o ato de envelhecer com altivez, liberdade e paixão pela arte. É um retrato intimista e tecnicamente irrepreensível de uma artista que sintetiza o espírito de resistência e reinvenção do teatro nacional.

Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️⭐️ (ÓTIMO)

#aextraordinariavidadeveravaldez #veravaldez #documentário #mostrasp 

Crítica: AO SABOR DAS CINZAS de "Taciano Valério"

 Proposta interessante e decepcionante! 🕟

​    O filme pernambucano Ao Sabor das Cinzas é um drama familiar de realismo fantástico sobre o colapso da comunicação e o luto transmitido em tempo real. A trama acompanha duas irmãs distantes que se reencontram após a morte do pai. Há, porém, um agravante, o corpo dele desaparece do necrotério, o que as leva a uma jornada pelas estradas do agreste pernambucano em sua busca. Ainda que a premissa seja instigante, a proposta na prática decepciona em quase todos os aspectos. 

​    Dirigido por Taciano Valério e rodado no agreste de Pernambuco, o longa traz dinâmicas familiares cheias de boas intenções que simplesmente não funcionam com o espectador. Em vários momentos, a sensação é de que os maneirismos em tela tomam o lugar de uma narrativa consistente, sem nunca empolgar. O ritmo lento, a edição confusa e o roteiro mal trabalhado esbarram na fórmula batida de um certo cinema nacional que tenta contar uma história sem fluxo, quase em câmera lenta, com atuações frias e uma chocante coleção de momentos sem emoção. 

    Acompanhamos uma família dividida cujos integrantes se distanciam de todas as formas possíveis ao longo do ano, mas que, nas festas de fim de ano, fingem união apenas para a tradicional "foto de família". De um lado, uma irmã conservadora, da "moral e dos bons costumes", que não consegue disfarçar o desprezo pela irmã que se relaciona com outra mulher. O que elas não esperavam é que a morte do patriarca — aparentemente o único elo entre elas — traria tantas verdades à tona. 

​     Mesmo considerando o contexto de um filme independente, existem pilares narrativos fundamentais para que a experiência funcione. Embora toda forma de arte tenha seu valor, o filme parece um laboratório de ideias perdidas na execução, algumas sequer interessantes para quem busca ver uma boa obra cinematográfica. A sensação de uma história que "pesa na mão" deixa tudo excessivamente chato e sem qualquer  salvação para Ao Sabor das Cinzas, que se mostra ousado mas desprovida de afeto. 

​Meu Hype: ⭐️ FRACO

#aosabordascinzas #cinemabrasileiro #filmenacional #cinema #filme

Crítica: CARA DE BARRO (Clayface) de "James Watkins"

 Brutal, sombrio e gótico. 👤👤👤

​    Criado pela DC Comics em junho de 1940 nos quadrinhos e eternizado na clássica animação Batman: A Série Animada, o Cara-de-Barro é uma criatura de lama capaz de mudar de forma. Originalmente, tratava-se de um ator que enlouqueceu após perder um papel e iniciou sua vida de crimes usando uma máscara de argila. No novo longa da DC Studios, o personagem mantém a vertente artística: é um ator em busca de uma cura experimental após ter o rosto desfigurado. O experimento, porém, dá errado, e ele parte em busca de vingança contra a máfia que o prejudicou. 

    ​O foco no tom sombrio e na vingança pessoal do protagonista funciona de forma isolada na cronologia do estúdio. A narrativa abraça o body horror (ou horror corporal), subgênero que provoca medo, repulsa e desconforto por meio de deformações, mutações e transformações extremas do corpo humano. Após o ápice desse estilo no recente sucesso A Substância, o horror corporal ganha mais uma oportunidade no mainstream hollywoodiano pelas mãos de um grande estúdio. O resultado é satisfatório, ainda que gere o incômodo característico da violência gráfica, transformando a deterioração física do protagonista em um dos pilares da narrativa. 

​   O procedimento inicialmente parece resolver o problema, mas provoca consequências dramáticas. Matt Hagen passa por mutações que transformam seu corpo em uma espécie de massa de argila viva, capaz de moldar diferentes formas. A tentativa frustrada de recuperar a antiga identidade dá origem ao monstro. A partir daí, a história explora com profundidade a deterioração física e psicológica do personagem, além dos limites da ambição e da obsessão pela própria imagem. 

​    Essa transformação é o ponto central do terror do filme, acompanhado de perto pela perda gradual de controle sobre o próprio corpo. Dirigida por James Watkins, com roteiro assinado por Mike Flanagan (Carrie - A Estranha, A Maldição da Residência Hill) e estrelada por Tom Rhys Harries (excelente no papel), a produção foge da ação tradicional dos filmes baseados em HQs e aposta em um terror visceral, humano e trágico. Uma ótima surpresa. 

​Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️⭐️⭐️ HYPE

#caradebarro #clayface #dc

Crítica: A CAIXA DO DEMÔNIO (Lockbox) de "Daniel Stamm"

 Terror em que nada funciona! 📦📦📦

     ​A Caixa do Demônio, dirigido por Daniel Stamm (conhecido por O Último Exorcismo) desperdiça uma boa premissa e o talento do elenco ao apostar em clichês previsíveis do terror sobrenatural. Com ritmo irregular, mas com atuações fortes e uma atmosfera até decente em sua primeira metade, seu mistério central chega a gerar alguma expectativa. Na hora da entrega, porém, o filme evidencia que suas ideias não se encaixam. Baseado em um episódio do podcast Knifepoint Horror, o roteiro desperta curiosidade pela premissa inicial, mas perde força no desenrolar da trama até se perder completamente. 

​     O filme conta a história de Ellen (Carla Gugino), que passa pelo luto familiar e tenta reconstruir a vida em uma nova cidade. Lá, ela aceita acolher seu primo Winthrop (Lou Taylor Pucci), um ex-combatente que sofre com traumas de guerra. Nesse meio-tempo, a vizinha curiosa Vahna (Katherine Isabelle) desconfia que Winthrop seja uma ameaça para Ellen, colocando a protagonista em um dilema: proteger o primo ou descobrir a verdade sobre os fatos bizarros que cercam sua casa e a cidade, já que as suspeitas recaem sobre ele. 

​    A protagonista Carla Gugino é o ponto de apoio da produção, ela consegue manter a atuação estável, fazendo com que tudo ao redor pareça mais crível do que deveria. Lou Taylor Pucci entrega uma performance mais volátil, ele faz o papel funcionar. Katherine Isabelle também se destaca, mudando instantaneamente a energia das cenas em que aparece e prendendo a atenção do espectador, mesmo quando não estamos totalmente convencidos do que está acontecendo em cena. 

​     Por vezes, parece que o filme se interessa mais pelo conceito em si do que em explicá-lo ou explorá-lo de fato, o que poderia funcionar se o restante fosse coeso, mas aqui deixa lacunas impossíveis de ignorar. Sendo uma das obras mais mal concebidas do ano, a direção entrega um resultado que se apoia em sustos fáceis e clichês batidos, esquecendo-se de aproveitar a entrega de seu elenco e de construir uma história com o mínimo de sentido, mesmo para os padrões do terror sobrenatural. 

Meu Hype: ⭐️ RUIM

#lockbox #acaixadodemônio #terror #cinema #diamondfilms

Crítica: TRÊS HORAS PARA VIVER (Runner) de "Scott Waugh"

 Aquele filme de ação de sempre! 💥💥💥

    Três Horas para Viver, estrelado por Alan Ritchson, é a mais recente tentativa da Angel (antiga Angel Studios) de se consolidar no mercado de entretenimento convencional. Famosa por focar em conteúdos que celebram valores positivos, esperança, fé e produções voltadas para a família, a distribuidora parece ter deixado de lado suas diretrizes habituais neste projeto. O longa de ação, recheado de toques de comédia, acompanha um entregador com "habilidades especiais" que precisa eliminar dezenas de bandidos em Brisbane, na Austrália, o que poderia ser uma jornada repleta de lições morais acaba se tornando uma perseguição divertida e extremamente violenta, uma escolha surpreendente vinda do selo Angel.

​     No elenco, o grandalhão Ritchson, astro da série Reacher, encarna perfeitamente o tipo de herói brutamontes das telas: aquele que espanca vilões, quebra ossos, lesiona espinhas e desloca órgãos sem hesitar. Ritchson vive Hank, um entregador e motorista faz-tudo que carrega o passado de ex-fuzileiro naval e alcoólatra em recuperação. Sua missão final do dia é transportar Ben (Owen Wilson), que carrega um fígado em uma caixa térmica de alta segurança com destino a uma criança no outro lado da cidade.

    A premissa soar improvável é o de menos. A situação escala rapidamente quando os vilões de um "cartel", liderados por Damien (interpretado pelo brasileiro Rodrigo Santoro), decidem interceptar o órgão, dando início a uma caçada feroz pelas ruas e pela orla da cidade. O caminho é pavimentado por trocas de tiros, engavetamentos de carros, caminhões e ônibus, acumulando uma carnificina e danos colaterais impressionantes. O roteiro oscila constantemente entre o ridículo e o risível, sem oferecer grandes surpresas. 

     No fim das contas, Três Horas para Viver se sustenta pelas maneiras inventivas e cômicas com que Ritchson se livra dos capangas ao longo do percurso. O clímax reúne praticamente todos os clichês de combate corpo a corpo da história do gênero, mesmo previsível e apelando para um melodrama forçado em seu epílogo, o filme entrega um bom entretenimento passageiro. 

​Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️ BOM

#treshorasparaviver #runner #cinema