O DIABO VESTE PRADA 2 (2026) de David Frankel

 Tão bom quanto o original! 👠💍

   O universo de O Diabo Veste Prada, estrelado por Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt e Stanley Tucci, retorna 20 anos após o filme original que marcou uma geração e imortalizou uma das vilãs mais icônicas do cinema: Miranda Priestly (Meryl Streep), a poderosa editora da prestigiada revista Runway. Nesta sequência, acompanhamos a resistência de Miranda diante do declínio do jornalismo impresso e das transformações radicais da indústria da moda.

​    No clímax do longa, ela foca sua "visão" em um investidor, criticando a invasão da inteligência artificial no espaço midiático como uma afronta à "conquista humana". O Diabo Veste Prada 2 também toca em outro ponto sensível: a insegurança constante no mercado de trabalho. Abordar temas contemporâneos tão sérios é uma surpresa bem-vinda, especialmente porque a campanha publicitária sugeria uma obra bem mais superficial. 

​   Embora cuidadosamente elaborada para evocar nostalgia, a sequência por vezes luta para revitalizar sua premissa e manter a coerência com o filme original. Miranda Priestly foi, de certa forma, "humanizada" ou "contida" pelas mudanças sociais das últimas duas décadas; agora, ela precisa policiar a própria linguagem em reuniões para não ofender a equipe e chega ao ponto de ter de pendurar o próprio casaco — em vez de simplesmente lançá-lo sobre a mesa de sua azarada assistente. 

    ​Essa atualização da protagonista foi bem executada, assim como o restante da produção. No geral, o quarteto principal está muito à vontade em seus papéis, ainda que a história possa parecer repetitiva em alguns trechos. No restante, o filme mantém a essência do original: uma excelente trilha sonora, participações especiais de luxo, figurinos práticos e elegantes, além de um humor bem dosado. A recompensa de revisitar esse universo é imensamente divertida e saborosa. 

​Nota: ⭐️⭐️⭐️⭐️ (MUITO BOM)

#thedevilwearsprada #odiabovesteprada #moda #cinema #style

MICHAEL (2026) de "Antoine Fuqua"

Emocionante e dedicado aos fãs! 🎤🎤🎤

​   Michael é um docudrama que traz a representação cinematográfica da vida e do legado de um dos artistas mais influentes da história. O filme oferece ao público um lugar na primeira fila para observar Michael Jackson como nunca antes. Apesar de um roteiro com escolhas narrativas cautelosas e limitações externas, a obra é uma cinebiografia imperdível, que explora momentos históricos do astro pop com uma performance incendiária de Jaafar Jackson (sobrinho de Michael e filho de Jermaine Jackson). 

   ​O roteirista John Logan (Skyfall) enfrenta o desafio ingrato de escrever sobre os anos de formação do cantor sem citar duas das figuras mais importantes de sua vida: sua irmã mais nova, Janet, e sua mentora de longa data, Diana Ross. Fica evidente que o filme foca na imagem de um artista que deseja assumir o controle da própria trajetória. Isso estabelece o conflito central entre Michael e seu pai, Joe (Colman Domingo), em atuação arrepiante, mas acaba negligenciando outros relacionamentos, sejam românticos ou platônicos, como a amizade com Brooke Shields. 

  O vazio deixado por essas lacunas é compensado pela entrega excepcional nos números musicais, certamente os momentos mais memoráveis da produção. Com figurinos estelares de Margie Rodgers e uma equipe de caracterização que captura com precisão as diversas fases do cantor, as cenas de shows são mágicas, transmitindo com perfeição a inegável presença de palco de Michael e o efeito hipnótico que ele causava nos fãs. 

   Como se não fosse difícil o suficiente condensar uma vida dessa magnitude em pouco mais de duas horas, Michael ainda precisa equilibrar-se na corda bamba entre a fidelidade biográfica e as obrigações contratuais. O projeto cobre apenas a primeira metade da vida do cantor e possui amarras que limitam a liberdade criativa dos realizadores. 

   Michael pode não ser uma cinebiografia perfeita em termos de profundidade documental, mas enche os olhos de quem algum dia se encantou com o astro. É um filme para apreciar um ícone que, no fundo, guardava a alma e o coração de uma criança. 

Hype: ⭐️⭐️⭐️ BOM

#michael #michaeljackson #bio #música #cinematography

MALDIÇÃO DA MÚMIA (2026) de "Lee Cronin"

 Brutal e grotesco! 💀💀💀

​    Maldição da Múmia, do diretor Lee Cronin, tenta devolver ao terror um ícone que, deliberadamente, foi transformado em herói de ação por Hollywood nas últimas décadas — seja na adorada franquia estrelada por Brendan Fraser ou no desastroso filme de 2017 com Tom Cruise (do "Dark Universe" da Universal). Embora não tente emular a atmosfera gótica do clássico de 1932 com Boris Karloff, Cronin arrisca ao entregar uma versão de terror puro e cru. 

    O resultado é uma experiência que remete a uma mistura de O Exorcista com Evil Dead: A Morte do Demônio. Para os fãs de gore, o filme é um prato cheio: violência gráfica abundante, momentos nojentos e uma agonia de tirar o fôlego. O ritmo só perde o fôlego quando o choque visual deixa de assustar para apenas incomodar; no fim, a obra cumpre seu papel como terror contemporâneo, mas peca pela falta de originalidade ao ser analisada mais a fundo. 

​    Conhecemos então os Cannon: o repórter Charlie (Jack Reynor), a enfermeira grávida Larissa (Laia Costa) e seus filhos, Seb e Katie. Eles levam uma vida feliz no Cairo até que o desaparecimento de Katie destrói a estrutura familiar. Oito anos depois, agora vivendo em Albuquerque, Novo México, com uma filha mais nova, Maud (Billie Roy), e a avó Carmen (Verónica Falcón), o casal ainda é assombrado pelo trauma. O "milagre" surge com um telefonema da embaixada: Katie foi encontrada. Ela está viva, mas a notícia traz um novo horror: sua aparência agora é grotesca e sobrenatural. 

    Assistindo o filme em uma sala de cinema moderna, com tela gigante e um bom som, fica claro que Cronin não conhece limites na entrega da violência. O uso de efeitos práticos torna tudo implacável e palpável. Destaque para uma cena envolvendo um cortador de unhas — filmada em close-up, ela faz a plateia inteira se contorcer na poltrona. É um desconforto deliberado; Cronin quer que sua versão da Múmia seja a mais visualmente intensa possível. Se você busca um entretenimento perturbador e não tem estômago fraco, este filme é para você.

Hype: ⭐️⭐️⭐️ BOM

#maldiçãodamúmiafilme #mumia #themummy #leecronin #terror

RUAS DA GLÓRIA (2026) de "Felipe Sholl"

O Buraco da Glória! 😈

   Ruas da Glória surge nesta nova fase do cinema LGBTQIAPN+ que explora o underground das metrópoles brasileiras e suas vivências. A obra remete a títulos interessantes, desde o gaúcho Tinta Bruta ao recente Baby, que trazem histórias de jovens gays inseridos em ambientes desconhecidos, em busca da própria identidade e do afeto que lhes foi negado muitas vezes ao longo da vida. Muitos homens gays, em algum momento, permitiram-se viver esse "submundo" das grandes cidades: os inferninhos com dark rooms, garotos de programa e os muitos perigos à espreita.

    O filme é intenso, com cenas quentes entre os protagonistas, nu frontal e uma viagem a locais que, em um passado não muito distante, eram as únicas opções disponíveis para homens em busca de outros homens. Nesse quesito, o longa é realista e entrega um bom entretenimento. A história, contudo, escorrega um pouco na falta de novidade.

​   No longa, o jovem professor Gabriel (Caio Macedo) se muda para uma nova cidade enquanto lida com a perda da avó. Ao chegar, conhece Adriano (Alejandro Claveaux), um garoto de programa uruguaio com quem vive uma paixão arrebatadora que rapidamente se transforma em obsessão. ​Quando o envolvimento se rompe abruptamente pelo desaparecimento repentino de Adriano, Gabriel inicia uma jornada por experiências comuns no meio gay: a paixão obsessiva por alguém tóxico, as festas, o sexo fácil, as drogas e uma comunidade tentando acolher quem pouco a valoriza.

​   Apesar de ser um tema que costuma se repetir em produções LGBTQIAPN+, o filme transita bem entre suas subtramas, reforçando uma mensagem de esperança mesmo quando tudo parece perdido. Ruas da Glória transforma Gabriel em quase um mártir, alguém que se entrega às vivências sem temer as consequências.

   ​O resultado, que poderia ser melancólico, ganha contornos diferentes graças a uma sensibilidade que revela que, embora a verdade nua e crua nem sempre seja dita claramente, sempre existem outros caminhos disponíveis.

​  Hype: ⭐️⭐️⭐️ (Bom)

#ruasdaglória #LGBTQIAPN #gay #homem #filme

O DRAMA (2026) de "Kristoffer Borgli"

 O desmoronamento do "felizes para sempre" 👰‍♂️🤵

     O novo filme da A24 entrega um contraste visceral entre a idealização do matrimônio e a fragilidade das conexões humanas. Protagonizado por Emma (Zendaya) e Charlie (Robert Pattinson), o longa acompanha um casal nos dias que antecedem o altar. O que deveria ser o ápice da celebração torna-se um ponto de ruptura quando a revelação de segredos profundos coloca a confiança mútua em xeque. 

​    A partir desse conflito, o diretor explora as relações afetivas sob uma perspectiva desconfortável e autoral. Embora seja essencialmente um drama, a obra abraça elementos da comédia romântica e do suspense, provocando no espectador um estado de confusão emocional similar ao que os protagonistas vivem em tela.

​   A trama foca em Emma Harwood e Charlie Thompson, um casal aparentemente apaixonado nos preparativos finais para o casamento. No entanto, a semana sai completamente dos trilhos após uma dinâmica entre amigos: o que começa como uma brincadeira de confessar segredos termina em um "atentado" emocional. Quando Emma revela algo chocante, tudo o que Charlie acreditava saber sobre sua futura esposa desmorona. 

​   Alerta de Gatilho: O público pode esperar uma narrativa desconfortável e visualmente impactante. O filme foge das convenções do gênero para explorar a paranoia e as fissuras da confiança. É um thriller que utiliza a estética limpa e sofisticada de um casamento de elite como pano de fundo para um desmoronamento moral e psicológico, potencializado pela produção visceral de Ari Aster. 

  O Drama é uma experiência quase sensorial. Durante a sessão de imprensa, as reações foram diversas e intensas; eu mesmo me senti profundamente abalado. Zendaya e Robert Pattinson se entregam em um filme com o selo A24, abordando temas delicados de forma dolorida e de certa forma inovadora. Um verdadeiro exercício cinematográfico. 

⭐️⭐️⭐️ BOM

#odrama #thedrama #a24 #robertpattinson #zendaya

SUPER MARIO GALAXY - O FILME (2026) de "Aaron Hovarth" e outros

 

Mundos vibrantes, personagens memoráveis e risadas bobas. 💥💥💥

   A franquia de Mario no cinema, com apenas um filme, já se tornou uma das mais lucrativas da era moderna. Super Mario Bros. O Filme (2023) detém a nona maior bilheteria da década, mesmo sem o pleno apoio da crítica especializada. Embora esta sequência pareça um sucesso garantido, nem sempre o caminho foi óbvio; esse estilo de animação ganhou força graças ao êxito de Um filme LEGO, que abriu portas para Mario, Sonic e Minecraft. O fenômeno provou que qualquer propriedade intelectual pode triunfar, desde que apresente um visual impecável e venha recheada de humor metalinguístico, vozes de celebridades e easter eggs para os fãs mais dedicados.

   Super Mario Galaxy não busca a inovação. Ele até apresenta um enredo, embora seja essencialmente o mesmo do primeiro longa: os irmãos encanadores Mario e Luigi (dublados por Chris Pratt e Charlie Day) precisam salvar a princesa das garras de Bowser. É verdade que a princesa é outra (Rosalina, com a voz de Brie Larson) e o vilão também (Bowser Jr., interpretado por Benny Safdie), mas o fato é que a história é propositalmente simples. Os irmãos, acompanhados por personagens excêntricos, atravessam uma galáxia de planetas pequenos e peculiares no esforço de resgate.

​   Ainda assim, o filme é, em grande parte, encantador. Substancialmente baseado na série de jogos homônima, cujo último título foi lançado há 16 anos, o longa é repleto de referências obscuras e deliciosamente bizarras. Um dos destaques é a participação divertida de Star Fox (dublado por Glen Powell), o protagonista de uma clássica série da Nintendo que pouco tem a ver com o universo direto de Mario. Há acenos inteligentes a tudo, desde o Mario Bros. original até a estética de Paper Mario. Além disso, as renderizações em 3D de vilões originalmente fofinhos em 2D são cativantes. Um momento memorável é a cena em que a Princesa Peach (Anya Taylor-Joy) entra em um bar com estética Blade Runner, repleto de "monstruosidades" adoráveis.

​   No fim, é uma obra dedicada aos fãs e um entretenimento deliciosamente divertido.

⭐️⭐️⭐️ BOM

#supermario #supermariogalaxy #mario #nintendoswitch #cinema

EXPOSIÇÃO - JOAQUÍN TORRES GARCIA - 150 ANOS

Performance “Fricções” abre exposição sobre Torres García no CCBB Brasília.

Marionetista Juliana Notari une dança, música e marionete em diálogo com o artista uruguaio, performance une marionete, dança e música em experiência interdisciplinar.  

O Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB) Brasília recebe, a partir de 31 de março, a exposição Joaquín Torres García – 150 anos, com curadoria de Saulo di Tarso, em cartaz até 21 de junho. Como parte da programação de abertura, será apresentada a performance “Fricções”, criação da marionetista Juliana Notari, que combina marionete, dança e música em um campo de experimentação entre linguagens. A classificação é livre. 

Juliana é uma marionetista cuja prática, na geração dela, é rara no Brasil. Com vivência em diversos países da América do Sul e da Europa, especialmente Espanha e Itália, ela apresenta e desenvolve regularmente seu trabalho junto a marionetistas internacionais. Estudiosa da obra de Torres García, sua performance ajuda a revelar a dimensão africana do artista. A performance conta, ainda, com a participação do dançarino Ivo Grieco e do músico Heri Brandino, que executa marimba e outros instrumentos de madeira. Inspirada no princípio de que o significado se constrói no atrito entre estruturas, a obra dialoga com o Construtivismo Universal de Torres García, destacando símbolos recorrentes como peixe, coração, sol e lua. 

Segundo o curador Saulo di Tarso, a performance amplia a leitura da exposição ao aproximar o pensamento do artista de práticas contemporâneas. “Celebrar 150 anos de Torres García exige ampliar o percurso histórico e evidenciar como suas reflexões sobre arte e identidade latino-americana permanecem atuais”, afirma. 

A exposição ficará em cartaz na Galeria 5 e Pavilhão de Vidro do CCBB Brasília (SCES Trecho 02, Lote 22, Edifício Tancredo Neves, Setor de Clubes Sul). Antes da performance, haverá visita mediada exclusiva para a imprensa, conduzida pelo curador, a partir das 16h do dia 31 de março. 

Selecionada no Edital CCBB 2023-2025, viabilizada através da Lei Rouanet, a exposição é patrocinada pela BB Asset, organizada e produzida pela Cy Museum. 

Serviço - Joaquín Torres García - 150 anos 

Local: CCBB Brasília Endereço: SCES Trecho 02, Lote 22, Edifício Tancredo Neves - Setor de Clubes Sul – Galeria 5 e Pavilhão de Vidro 

Data: de 31 de março a 21 de junho 

Horário: Terça a domingo, das 9h às 21h (entrada até 20h40) 

Classificação: livre Ingressos em www.bb.com.br/cultura e na bilheteria do CCBB Brasília 

Transporte gratuito de quinta a domingo, saindo da Biblioteca Nacional Gratuito 

Programação de abertura  

Local: CCBB Brasília Endereço: SCES Trecho 02, Lote 22, Edifício Tancredo Neves - Setor de Clubes Sul – Galeria 5 e Pavilhão de Vidro Data: de 31 de março - Visita mediada exclusiva para a imprensa, conduzida pelo curador Saulo di Tarso, a partir das 16h e performance “Fricções”, criação da marionetista Juliana Notari 

Classificação: livre 

Itinerância: CCBB Brasília (31 de março a 21 de junho de 2026) e CCBB BH (15 de julho a 12 de outubro de 2026).

Ficha técnica  

Realização: Ministério da Cultura 

Patrocínio: BB Asset Organização e Produção: Cy Museum Curadoria: Saulo di Tarso com a colaboração do Museo Torres García 

Apoio Institucional: Museo Torres García Coordenação Geral: Cynthia Taboada Coordenação Editorial e Pesquisa: Helena Eilers, Andrea Sousa e Xênia Bergman. Projeto expográfico: Stella Tennenbaum bb.com.br/cultura instagram.com/ccbbbrasilia | facebook.com/ccbbbrasilia| tiktok.com/@ccbbcultura 

 

ELES VÃO TE MATAR (2026) "They Will Kill You" de "Kirill Sokolov"

 

Sangue e loucura! 🩸🩸🩸

   A cada ano, o gênero terror e seus derivados recebem inúmeros títulos com abordagens variadas, transitando entre a originalidade e a previsibilidade. Eles Vão Te Matar situa-se nesse meio-termo. O longa traz o DNA de obras como Casamento Sangrento e outros expoentes do Terror Gore, provando como fórmulas consagradas podem ser bem reaproveitadas quando há espaço para o brilho autoral. Após o sucesso de títulos aclamados como A Substância, Pecadores e A Hora do Mal nas principais premiações do mundo, é nítido que o Terror conquistou uma visibilidade sem precedentes. 

    Eles Vão Te Matar reúne elementos que jogam a seu favor, a começar pela direção dinâmica de Kirill Sokolov e pelo elenco de peso. Além da excelente Zazie Beetz, a produção conta com rostos conhecidos como Heather Graham, Tom Felton e Patricia Arquette, que curiosamente, iniciou sua carreira no terror na franquia A Hora do Pesadelo. 

    Enquanto alguns filmes apenas flertam com o inesperado, outros o abraçam completamente como acontece em Eles Vão Te Matar, um delírio febril e sangrento movido por instinto e adrenalina. Na trama, membros de um culto desesperado buscam um sacrifício ritualístico em uma paisagem quase surreal. O alvo é Asia Reaves (Zazie Beetz), uma forasteira aparentemente solitária que eles acreditam ser a presa fácil. 

    O longa é indicado para quem já está habituado ao gore, com mortes criativas e cenas viscerais mas pode agradar que gosta de Kill Bill e Jonh Wick. Sokolov constrói a base da história sem grandes inovações, é um roteiro simples e, por vezes, excessivo nas explicações e utilizando um hotel amaldiçoado como cenário quase único. Contudo, o filme ganha pontos por não se levar a sério, entregando sequências hilárias e icônicas, como a saga de um olho decapitado caçando a protagonista.

​    No geral, temos uma trama compacta, personagens carismáticos e uma história insana sobre vingança e forças sobrenaturais. Tudo isso regado a muita violência e impacto, resultando no filme mais divertido do ano até o momento. 

⭐️⭐️⭐️ LEGAL

#elesvãotematarfilme #theywillkillyou #cinema #terror #gore

CASAMENTO SANGRENTO - A VIÚVA (2026) de "Matt Bettinelli-Olpin" e "Tyler Gillett"

 

Carnificina Cômica! 🔪🔪😈

   Casamento Sangrento foi uma das surpresas de 2019, um filme lançado quase sem alarde que virou cult, alguns anos depois, principalmente a cena icônica da noiva ensanguentada fumando seu cigarro no ato final do filme. A continuação começa imediatamente após o filme anterior, com Grace ( Samara Weaving ) emergindo dos destroços em chamas da propriedade La Domas e sendo recebida pelos socorristas. Ela acorda no hospital apenas o suficiente para cumprimentar sua irmã distante, Faith ( Kathryn Newton ), e levantar suspeitas antes que ambas as irmãs se vejam envolvidas em uma frenética disputa pelo cargo de presidente do conselho do Sr. Le Bail. 

    As regras permanecem praticamente as mesmas em um jogo de esconde-esconde com apostas ainda maiores: Grace precisa sobreviver até o amanhecer para vencer, enquanto seis famílias do Alto Conselho competem para eliminá-la. O prêmio? Poder absoluto. Há muito terreno a ser explorado na apresentação dos novos clãs satânicos e suas disfunções familiares, o que significa que Casamento Sangrento 2, embora ainda mantenha um ritmo acelerado, demora um pouco para realmente engrenar. São as apresentações que também deixam claro que esta sequência aposta muito mais no humor do que seu antecessor. 

    Os cineastas nunca tratam a carnificina como algo banal, e as mortes e as surras continuam impactantes. A dedicação aos efeitos práticos significa que satanistas explodindo ainda não perderam o encanto, assim como a reação de Weaving a eles. Kathryn Newton demonstra uma química natural com Samara Weaving em cena, trazendo uma energia contagiante e um espírito combativo para Faith, que complementam a exasperação desiludida de Grace. Mas Weaving continua sendo a estrela.

    Uma continuação onde tudo fica maior, um campo de batalha mais amplo, um número de mortes maior (e mais sangrento) e até o dobro de protagonistas. Tudo pensado para proporcionar a máxima diversão ao público. E cumpre esse objetivo com maestria, mesmo que perca um pouco da magia do original no processo. 

  ⭐️⭐️⭐️ BOM

#casamentosangrento #readyornot #terror #slash #cinema

A Pequena Amélie (2025) de "Maïlys Vallade" e "Liane-Cho Han"

 Uma Lição de Vida 👶🏻👶🏻👶🏻

    A Pequena Amélie pertence àquele grupo de filmes que, embora sejam animações com uma estética aparentemente infantil, revelam-se profundamente maduros. Acompanhamos a perspectiva de uma menina e seu pequeno mundo do início ao fim: seus pais, a avó, a querida babá, os passeios à praia e as brincadeiras na água. Há momentos incrivelmente reflexivos, narrados com uma simplicidade surpreendente, como quando a babá, Nishio-san, explica a Amélie que perdeu toda a sua família na guerra. Apesar da dureza do relato, o filme mantém sua ternura e doçura. É quase impossível não se comover com uma história contada pelo olhar de uma criança de três anos que acredita ser capaz de conquistar tudo o que deseja. 

​   Dirigido pelas estreantes em longas-metragens Maïlys Vallade e Liane-Cho Han, o filme adapta as memórias de Amélie Nothomb descritas em "A Metafísica dos Tubos". Conhecemos Amélie ainda bebê, em um estado de inércia quase vegetativo, até que sua avó lhe oferece um pedaço de chocolate branco. A partir desse despertar sensorial, a menina se conecta com o mundo e, aos três anos, começa a falar. Sua família é belga, mas vive no Japão devido ao trabalho do pai. 

   Além de oferecer diversas lições, A Pequena Amélie possui uma poesia visual que remete às produções do Studio Ghibli, combinando brilhantemente humor e sensibilidade em seus diálogos. Essa sinergia a torna uma das melhores animações de 2025 e, possivelmente, da última década. Ao transmitir emoções complexas através de cores vibrantes e uma narrativa linear, o filme se consolida como uma obra encantadora e repleta de sabedoria. 

    Em apenas 78 minutos, o longa trata a infância com um respeito e carinho raros, fugindo da infantilização excessiva ou da arrogância adulta comum em outras produções. O filme tem a incrível capacidade de adotar a perspectiva de uma menina que se considera uma deusa, mantendo essa coerência narrativa em cada cena. Descobrimos o mundo através de seus olhos, cabendo a nós, como adultos, reinterpretar o que vemos: Amélie pode não ser a divindade que acredita ser, mas possui a onipotência de nos emocionar a cada instante. 

⭐️⭐️⭐️⭐️ ÓTIMO

#apequenaamelie

Queens of the Dead (2025) de "Tina Romero"

 Zumbis Queer 🏳️‍🌈

​    O que seria dos filmes de zumbi sem George Romero? Aclamado como o pai do cinema de zumbi moderno, ele foi o diretor de obras-primas como A Noite dos Mortos-Vivos (1968), Despertar dos Mortos (1978) e Dia dos Mortos (1985). Romero faleceu em 2017, deixando, além de seu vasto legado cinematográfico, sua herdeira Tina Romero. Tendo crescido nos sets de filmagem do pai, Tina buscou honrar esse histórico e agora finalmente estreia no comando de um longa-metragem.

​    Queens of the Dead, seu primeiro filme, estreou no Festival de Cinema de Tribeca em junho de 2025 e chega agora em circuito limitado aos cinemas do Brasil. O longa traz uma abordagem queer ao gênero: ambientado em uma boate drag onde os frequentadores precisam sobreviver a um apocalipse, a estreia de Tina na direção é um festival de zumbis brilhantes, repleto de humor e emoção. O filme prova que há espaço de sobra no gênero para essas "Rainhas dos Mortos". Uma mistura semelhante de luz e escuridão forma a espinha dorsal de Queens of the Dead, uma comédia de terror onde drag queens e jovens queer enfrentam uma horda de zumbis estilosos de pele prateada.

​    A comunidade queer é a protagonista, representando um amplo espectro de identidades e gerações. Temos Dre (Katy O'Brian), uma DJ lésbica com uma esposa grávida; Nico (Tomás Matos), um dançarino não-binário; a drag queen Ginsey Tonic (interpretada por Nina West, ex-participante de RuPaul's Drag Race); a lésbica butch Pops (Margaret Cho); e até mesmo um personagem heterossexual simbólico, o republicano Barry (Quincy Dunn-Baker). O filme apresenta esse grupo heterogêneo de forma concisa antes de lançá-los em um apocalipse que os força a resolver suas diferenças.

​     Acompanhar a estreia promissora de Tina Romero é como revisitar os primeiros filmes de seu pai: baixo orçamento, estilo próprio na caracterização dos mortos-vivos e muita originalidade. Uma leitura divertida, fashion e necessária para o gênero.

⭐️⭐️⭐️ BOM

🏳️‍🌈🏳️‍🌈🏳️‍🌈 #queensofhedead #zumbi #georgeromero #tinaromero #terror

HARRY STYLES - KISSCO (Kiss All The Time. Disco, Occasionally.)

Se em seu último álbum Harry’s House era um convite para ficar em casa, KISSCO é um convite para se perder na rua e se divertir. Com sonoridade próxima de LCD Soundsystem e transitando bem no universo Pop e Indie, novo álbum de Harry Styles confirma seu status de reizinho pop após pequeno hiato em sua carreira. Um álbum delicioso do início ao fim. 

🎶 Top 3, favoritas do álbum: Season 2 Weight Loss, Ready, Steady, Go! e Pop. 

🎧 Faixa a Faixa: 

1. Aperture - O primeiro single do álbum é um despertar leve nos sintetizadores e já mostrando essa pegada eletro-chic inspirada em LCD Soundsystem. 

2. American Girls - Evoca o pop/rock de seus trabalhos anteriores, talvez lembre até os tempos de One Direction. 

3. Ready, Steady, Go! - Energética e com uma pegada indie em sua essência. 

4. Are You Listening Yet? - É um pequeno hino sobre conexões modernas com direito a sprechgesang (canto falado) e uma pegada pop. 

5. Taste Back - Uma balada com elementos modernos e cara de hit. 

6. The Waiting Game - Uma canção leve e com boa melodia. 

7. Season 2 Weight Loss - Aqui Harry brinca com Kraftwerk e Drum and bass, em sua música mais experimental do álbum. Minha favorita do álbum. 

8. Coming up Roses -  Uma valsa melancólica que nunca fica cafona. 

9. Pop - Certamente a única carteirada dele no álbum, feita para as rádio FM"s. 

10. Dance no More - Groove oitentista evocando good vibes. 

11. Paint by numbers - Aquela música que anuncia o fim do álbum... toda energia se abaixa quase a um cochilo. 

12. Carla"s Song - Encerramento com pianos ondulantes e sintetizadores agitados. Terminar no auge.

🎶🎶🎶 Good Vibesss ⭐️⭐️⭐️⭐️

#harrystyles #kissco #singer #music #spotify

A NOIVA (2026) "The Bride" de "Maggie Gyllenhaal"

 Uma ode aos desajustados! 👰‍♂️👰‍♂️👰‍♂️

​     A Noiva! é um filme-conceito, uma mistura de gêneros da cineasta Maggie Gyllenhaal, e é nada menos que caótico, às vezes punk, às vezes teatral, mas sempre carregado de violência. Esta reinterpretação do universo de Frankenstein, de Mary Shelley, traz uma fenomenal Jessie Buckley no papel principal, motivada pela premissa de "preferir não" para, no fim, fazer o que bem entender. Ter um Frankenstein cinéfilo e uma Noiva que inicia uma revolução feminista já vale, por si só, o ingresso. 

  Embora o longa comece com um Frankenstein solitário, esta não é a história dele. Nós o acompanhamos em sua viagem para a Chicago dos anos 1930, onde ele busca a ajuda da Dra. Euphronious (Annette Bening, cinco vezes indicada ao Oscar). Desesperado por uma companheira e sem o seu criador original, ele recorre a essa nova "cientista louca" para dar vida ao seu par. Para isso, a escolha recai sobre o corpo de uma jovem assassinada e enterrada em uma vala comum; poucas horas depois, nasce A Noiva (Buckley). 

    Em uma trama secundária que evoca uma paródia grotesca de Bonnie e Clyde, o detetive Jake Wiles (Peter Sarsgaard) e Myrna Mallow (Penélope Cruz) perseguem o casal de fugitivos. Em vez de assaltos a bancos, o par monstruoso percorre teatros do Meio-Oeste e cinemas de Nova York em busca de um glamour passageiro, deixando um rastro de violência por onde passa. 

   O filme é pontuado por interlúdios surreais: números musicais, metalinguagem cinematográfica e sequências em salões de baile com o ídolo de Frankenstein, Ronnie Reed (Jake Gyllenhaal), evocando a estética de Fred Astaire. Embora visualmente impactantes, essas sequências são narrativamente desvinculadas, o que contribui para uma paisagem tonal fragmentada. 

    De muitas maneiras maravilhosas, A Noiva! se apresenta como um chamado de ação as mulheres. Pode não ser uma obra unânime, mas é revolucionária à sua maneira — mesmo que lhe falte clareza estrutural e lhe sobre excesso estilístico.

⭐️⭐️⭐️ BOM

#thebride #anoiva #jessiebuckley #cinema #filme

Cara de um, Focinho do Outro (2026) "Hoppers" de "Daniel Chong"

 Criativo, divertido e um tanto maluco.🦫🦫

   Cara de um, Focinho do Outro marca o retorno triunfal da Pixar à sua essência original. Ao misturar aventura, comédia e emoções genuínas, o filme prova que uma premissa excêntrica pode, sim, caminhar lado a lado com sentimentos profundos. Há uma delicadeza tocante nos momentos mais densos que harmoniza perfeitamente com a natureza maluca do enredo. A animação te conquista no primeiro momento e não te larga mais. 

   A trama acompanha a heroína Mabel que, em uma sacada inspirada em Avatar, transfere sua consciência para um castor artificial na tentativa de guiar um castor real de volta as suas origens. A partir daí, o filme mergulha em uma abordagem inteligente sobre a dicotomia entre natureza e humanidade. É gratificante observar o crescimento em ver Mabel aprender a relaxar, trocando o estresse da vida humana pela liberdade animal. 

  O longa transborda imaginação, explorando reviravoltas de ficção científica enquanto exibe o apuro visual característico dos filmes modernos da Pixar. A trilha sonora é vibrante e as cenas de ação, deliciosas. No fundo, a obra é uma ode ao amor pelos animais e ao respeito pelo equilíbrio ambiental; o que poderia soar como um discurso moralista acaba se tornando apenas bom senso. 

   Cara de um, Focinho do Outro equilibra com maestria o entretenimento familiar com a capacidade da Pixar de criar camadas reflexivas. Com um humor afiado, ótimas referências cinematográficas e uma narrativa envolvente, este é um filme que encanta tanto adultos quanto crianças. 

⭐️⭐️⭐️⭐️ MUITO BOM

#hoppers #caradeumfocinhodooutro #pixar #disney #castor

KOKUHO (2025) de "Lee Sang-il"

 Um espetáculo! 🎎🪭

    Kokuho, escolhido para representar o Japão no Oscar de Melhor Filme Internacional deste ano  (chegando à lista final) e indicado ao Oscar de Melhor Maquiagem e Cabelo é uma experiência fascinante, um espetáculo visual que explora pacientemente o preço que os artistas pagam por sua arte, onde é necessário um certo nível de obsessão para se tornar excelente em uma habilidade escolhida, e essa abordagem obstinada é um prato cheio para um grande filme. 

     O épico de três horas do diretor Lee Sang-il, leva essa determinação obsessiva para o palco do kabuki, uma arte japonesa que combina teatro, dança e música (ka-buki: cantar, dançar, habilidade) com maquiagem expressiva (kumadori), figurinos elaborados e atuações exageradas. O resultado é um filme grandioso em todos os aspectos e que transborda arte e beleza. 

    Os atores de Kabuki ocupam um lugar de destaque na cultura oriental. Kokuho enfatiza as intensas crises pessoais e culturais profundas presentes nessa arte e acompanha a vida de um jovem que, após testemunhar o assassinato do pai pela yakuza, é acolhido por um mestre do teatro kabuki. Rebatizado como Toichiro, ele é introduzido em um universo de disciplina extrema e treina ao lado do filho biológico do mestre, desenvolvendo uma relação de afeto e rivalidade. 

   Ao longo de cinquenta anos, através de vidas entrelaçadas, Kikuo e Shunsuke lidam com sua herança, seus diferentes níveis de comprometimento profissional (ou a falta dele) e sua aceitação ou rejeição pelo mundo do Kabuki. Ressentimento, raiva e éticas de trabalho distintas dominam a rivalidade entre Kikuo e Shunsuke. Kikuo demonstra mais talento inato e, mais importante, um interesse apaixonado do que Shunsuke, apesar de não possuir a mesma herança. 

    Kokuho questiona o preço da beleza. Se a dor, a perda e a exaustão que infligimos a nós mesmos em nome da arte valem a pena, ou se há uma irrelevância inerente a uma vida dedicada à busca de um ideal impossível. Embora as três horas de duração possa afastar muitos expectadores, aqueles que se entregarem a Kokuho embarcarão em uma aventura épica que abrange amizade, rivalidade e a nebulosa zona intermediária. 

⭐️⭐️⭐️⭐️ ÓTIMO 

#kokuho

ARCO (2025) de "Ugo Bienvenu"

 Um clássico instantâneo! 🌈🌈🌈

​   Histórias ambientadas em um futuro distante, sejam elas animadas ou não, têm o dom de revelar o preço que acreditamos que o progresso nos custará — seja em termos de meio ambiente, de relacionamentos ou do frágil elo que une ambos. Arco possui o inegável brilho de um clássico instantâneo: uma narrativa calorosa e comovente, sustentada por um visual deslumbrante que amarra tudo de forma mágica. Esta encantadora animação francesa, desenhada à mão, apresenta delicadas lições sociais e ecológicas que ressoam no presente. Arco é uma animação que envolve o expectador em uma fantasia de amadurecimento, entrega imagens marcantes e uma história simples, porém enraizada em emoções genuínas, seja ​da poderosa crítica às mudanças climáticas a sua sensibilidade a temática queer. 

  Combinando influências que se complementam como as cores de um prisma, o filme se destaca por sua construção de mundo inteligente e personagens adoráveis. A trama acompanha Arco, um menino de 10 anos com habilidades de viagem no tempo que se transporta acidentalmente para 2075. Ele faz amizade com Iris, uma jovem que o protege tanto das duras realidades de sua época quanto de um trio de irmãos atrapalhados. Ambos criam um laço como "excluídos", cientes de que a amizade terá um fim inevitável quando o protagonista encontrar o caminho de volta para casa. 

   Como o segundo longa de animação da Neon (após o aclamado Meu Amigo Robô), Arco brilha por sua atmosfera atemporal. Mesmo sendo inédito, carrega o espírito contemplativo e o calor artesanal de clássicos como O Gigante de Ferro e as primeiras obras do Studio Ghibli, sem soar como uma mera cópia desses gigantes. 

    Embora a mensagem central seja um claro questionamento sobre o futuro da IA e do apocalipse ambiental, o filme evita o tom professoral. Ele não tenta apenas emular a narrativa de um extraterrestre viajante (trocando o alienígena de dedos brilhantes por uma criança de capa colorida); em vez disso, a tempestade emocional que os protagonistas enfrentam é incrivelmente terna, envolvente e silenciosamente esperançosa. 

⭐️⭐️⭐️⭐️ ÓTIMO 

#arco #desenho #anime #neon #queerart

🦍 Gorillaz - "The Mountain"

Músicas inspiradoras e convidados de peso, marcam o novo álbum do Gorillaz, com uma "world music" de muita qualidade em ótimas melodias e uma diversidade músical incrível. 

🎶 Top 3 músicas do album: Orange Country, Delirium e The Moon.

🎧 Impressões Faixa a Faixa: 

1. The Mountain (feat. Dennis Hopper, Ajay Prasanna, Anoushka Shankar, Amanda Ali Bagash e Ayaan Ali Bangash) - Faixa intro, instrumental.

2. The Moon Cave (feat. ASHA Puthli, Bobby Womack, Dave Jolicoeur, Jalen Ngonda e Black Thought) - Um envolvente single do álbum.

3. The Happy Dictador (feat. Sparks) - Música que lembra bastante o Gorillaz das antigas com o acréscimo do ótimo Sparks, melódica e gostosinha.

4. The Hardest Thing (feat. Tony Allen) - Música de transição, tristonha.

5. Orange Country (feat. Bizarra, Kara Jackson and Anoushka Shankar) - Faixa good vibes, com assobios e melodia grudenta.

6. The God of Lying (feat. IDLES) - Faixa dark com pitada de post punk do IDLES.

7. The Empty Dream Machine (Feat. Black Thought, Johnny Marr and Anoushka Shankar) - Faixa um tanto quanto melódica e intensa na medida certa.

8. The Manifesto (feat. Trueno and Proof) - O single latino do álbum. Divertida e complexa.

9. The Plastic Guru (feat. Johnny Marr and Anoudshka Shankar) - Faixa animada.

10. Delirium (feat. Mark E. Smith). Uma faixa sombria que vai crescendo.

11. Damascus (feat. Omar Souleyman and Yasiin Bey) - Faixa contagiante com uma pegada dos ritmos indianos.

12. The Shadowy Light (feat. Asha Bhosle, Gruff Rhys, Ajay Presanna, Amaan Ali Bangash e Ayaan Ali Bangesh) - Faixa leve e melódica no estilo indiano.

13. Casablanca (feat. Paul Simonon and Johnny Marr) - Faixa contemplativa.

14. The Sweet Prince (feat. Ajay Prasanna, Johnny Marr and Anoushka Shankar). Uma bela e triste canção!

15. The Sad God (feat. Black Thought, Ajay Prasanna and Anoushka Shankar). Finaliza o álbum bem good vibes.

⭐️⭐️⭐️⭐️ ÓTIMO 🖤🖤🖤🖤

#gorillaz #themountain #music #indie #musical

PÂNICO 7 (2026) "Scream 7" de "Kevin Williamson"

 Aquele "arroz com feijão" que amamos!

   É óbvio que, se você gosta de filmes de terror e do gênero slasher, já sabe que Pânico é quase uma unanimidade. A franquia conseguiu envelhecer bem dentro do "mais do mesmo", equilibrando a repetição de estruturas e personagens com uma certa criatividade nas temáticas. Repleto de clichês que servem como uma homenagem ao gênero, este novo filme traz Kevin Williamson, um de seus criadores de volta ao comando, com o objetivo de manter a essência da franquia: não espere um Pânico 7 "inovador" ou disruptivo, mas sim uma entrega feita sob medida para os fãs e suas expectativas. Se não for isso que te interessa ao ver o filme, nem perca seu tempo.

​   Logo no início, a clássica casa de Stu Macher (Matthew Lillard), primeiro serial killer da franquia, é apresentada como uma espécie de Airbnb. Isso reforça a ideia de que os crimes da cidade se tornaram símbolos da cultura pop, perdendo parte de seu peso emocional e transformando-se em entretenimento. Essa banalização impacta o restante da história ao explorar o fascínio da sociedade contemporânea pelo true crime. Nesse quesito, Pânico sempre esteve à frente da concorrência, e esse fio condutor é muito bem incorporado na trama. Um novo Ghostface surge na pacata cidade onde Sidney Prescott (Neve Campbell) reconstruiu sua vida, e seus medos mais sombrios ganham forma quando sua filha (Isabel May) se torna o próximo alvo. Determinada a proteger sua família, Sidney terá que enfrentar os horrores do passado para encerrar esse massacre de uma vez por todas sem opções de fuga dessa vez.

  ​Além de Neve Campbell, Courteney Cox também retorna como a jornalista Gale Weathers. Vale lembrar que Jenna Ortega e Melissa Barrera não retornam como protagonistas após serem demitidas devido a polêmicas envolvendo declarações políticas após as gravações do sexto filme. Apesar dos percalços com o elenco, do caos nos bastidores e da ameaça de boicote por parte dos próprios fãs, Pânico 7 chega firme nos seus 30 anos de história e sucesso. Sempre seremos gratos por Pânico colocar o gênero de terror como protagonista da indústria novamente.

  Este exemplar é o primeiro da franquia lançado em IMAX, o que torna a experiência ainda mais intensa e imersiva. Procure uma sala com uma tela gigante para ver o filme com sua total qualidade. O desgaste do tema não impede que Pânico 7 seja divertido, banal e gratificante aos seus fãs mas carrega o peso da falta de novidade na sua própria mitologia e ainda alimenta a indústria cinematográfica que não sabe a hora de parar. 

​⭐️⭐️⭐️ BOM

A HISTÓRIA DO SOM (2025) - "The History of Sound" de "Oliver Hermanus"

 O doce som da memória. 🎶🎶

    ​A História do Som é um romance de época que aposta na contenção quase ao ponto da abnegação. Ambientado no início do século XX nos Estados Unidos, o filme acompanha dois homens que se encontram através da música e se perdem com o passar do tempo, das circunstâncias e da própria reticência. O diretor Oliver Hermanus encena a obra como um artefato cuidadosamente preservado: polido, reverente e ligeiramente distante. É um filme de inegável talento, elevado por atuações marcantes e uma trilha sonora envolvente, mas mantido à margem por sua própria delicadeza. Ele escuta atentamente o passado, mas raramente se manifesta no presente. O hype da história é justamente sua quietude que encanta e frustra simultaneamente.

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   O longa visualmente é impecável. Paletas de cores suaves, composições pictóricas e uma sensação tátil de cenário criam um mundo de beleza serena. Por vezes, porém, essa perfeição estética torna-se uma limitação; tudo parece demasiado composto, como se as dificuldades e os desejos tivessem sido higienizados. A narrativa se desenrola com uma calma deliberada, traçando encontros e desencontros ao longo de anos e paisagens. Há beleza nessa serenidade, mas também a sensação incômoda de que o conflito chega de forma muito suave, como uma batida que nunca se transforma em estrondo. O peso emocional parece amenizado, mesmo quando a história, a guerra e as restrições sociais deveriam impor um impacto maior. O filme aspira ser sobre saudade, mas frequentemente assemelha-se mais a um catálogo de momentos do que a uma explosão de sentimentos.

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  Paul Mescal e Josh O’Connor trazem sinceridade e inteligência aos seus papéis, sustentando o filme sempre que este corre o risco de se tornar meramente contemplativo. Mescal retrata Lionel como introspectivo e passivo, um homem cujo extraordinário talento musical contrasta com sua reserva emocional. O David de O’Connor é mais animado e inquieto, e a obra ganha vida sempre que ele está em cena. Juntos, eles compartilham uma química natural e genuína, longe do tom teatral. Embora o ritmo arrastado e a trajetória familiar comprometam o potencial de surpreender, A História do Som oferece uma jornada visualmente deslumbrante através de sua melancólica exploração da conexão humana.

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   Apesar de sua maestria técnica, sente-se a falta de um pouco mais de liberdade criativa. Assim como os sons que o filme lamenta terem sido perdidos, suas emoções mais profundas por vezes parecem fora de alcance, dissipando-se antes de poderem ressoar plenamente, ainda assim, é um belo filme.

​⭐️⭐️⭐️ BOM

THE MOMENT (2026) - "Aidan Zamiri"

 Para fãs de Charli XCX! 🟢🟢🟢

    Satirizando as armadilhas do estrelato pop, The Moment é um falso documentário sobre o auge da fase "BRAT" de Charli XCX, que utiliza a presença magnética da artista para dar coesão a uma narrativa por vezes desajeitada mas divertida. O que mais surpreende é como a obra justifica seu hype logo de cara: é brilhante, caótica e deliciosamente ridícula — como estar em uma festa onde o som está alto demais, mas você se recusa a ir embora. O universo visual é hiperestilizado, quase irreal, como se a cultura pop tivesse sido levada ao seu extremo mais barulhento e excêntrico. Há um tom satírico que provoca o riso, mas que também esconde algo desconfortável.

    The Moment não é apenas uma celebração ou um registro de show disfarçado de profundidade. Parece, na verdade, uma despedida caótica e reluzente de toda uma era. Em vez de tentar recriar a magia ou prolongar o momento artificialmente, Charli abraça a bagunça e se despede da maneira mais estrondosa possível. A experiência é eletrizante, desvairada e autoconsciente, repleta de piscadelas irônicas para a indústria que a moldou. Se Brat foi um ápice cultural, este longa garante que o encerramento seja em grande estilo, evitando um desaparecimento silencioso.

  O elenco de apoio compreende perfeitamente o tom da obra. Alexander Skarsgård, Hailey Benton Gates, Rachel Sennott e Kylie Jenner são participações importantes. No entanto, o núcleo gravitacional é Charli. Sua transição entre o humor, o distanciamento e a vulnerabilidade parece orgânica, uma extensão natural da persona que ela construiu meticulosamente ao longo dos anos.

   The Moment entrega atitude e traduz visualmente a essência de suas músicas: uma mistura de glitter e desilusão amorosa. É um retrato de uma artista vivendo o auge no "aqui e agora" — ainda que, para quem não conhece o trabalho dela e o que foi o BRAT, a experiência possa ser drasticamente diferente.

⭐️⭐️⭐️ BOM

#charlixcx #brat #themoment #pop #popstar