A ÚLTIMA CASA (2026) de "Louis Leterrier"

 

Sobreviver é uma arte! 🏡🏡🏡

 Nova aposta da Netflix, A Última Casa entrega o pacote completo de um suspense de sobrevivência dinâmico e envolvente. Na trama, Greta Lee e Wagner Moura vivem um casal com dois filhos que retorna às pressas para casa em meio a um forte temporal em sua cidade litorânea. Após trocarem as roupas molhadas, não dão maior importância à tempestade até tentarem sair e perceberem que estão inexplicavelmente trancados. 

  Sem internet ou sinal de celular, descobrem que toda a vizinhança enfrenta o mesmo impasse e tentam manter a rotina até que o problema seja resolvido. Contudo, a tensão escala quando compreendem que a força por trás do confinamento possui contornos sobrenaturais.

  ​O longa funciona como um exercício claustrofóbico sobre o isolamento compulsório. Embora o conceito perca parte do ineditismo no contexto pós-pandêmico, o diretor Louis Leterrier (O Incrível Hulk, Velozes e Furiosos X ) estrutura um cenário de escalada extrema, adensando o mistério e introduzindo ameaças físicas pelo caminho. 

  O filme se destaca ao imergir o espectador na rotina confinada da família. O roteiro parte com firmeza do trauma residual do isolamento para, gradativamente, abraçar a ação convencional com uma atmosfera extrema à medida que o mistério cresce e ameaças selvagens surgem. 

  Ainda que o motor criativo perca algum fôlego na reta final, a sensação de constante perigo se mantém intacta. Sem grandes pretensões de profundidade, o longa se estabelece como uma experiência divertida, bem executada e valorizada pela evidente entrega de seu casal protagonista. Divertido! 

Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️ BOM

#aúltimacasa #thelasthouse #netflix #dicasnetflix #wagnermoura

INSACIÁVEL (2026) de "Natalie Erika James"

 

Uma aterrorizante surpresa! 🍽 🍽 🍽

​    Insaciável é mais um hype apresentado no Festival de Sundance deste ano. O filme acompanha uma mulher que recorre a medidas desesperadas para alcançar o corpo dos seus sonhos, apenas para descobrir que a perfeição tem um preço aterrador.

  O tema se assemelha ao recente A Substância e marca o retorno da cineasta nipo-australiana Natalie Erika James às temáticas da identidade feminina e do trauma familiar, abordadas em sua aclamada estreia Relic (2020). Desta vez, porém, a diretora opta pelo body horror visceral em vez do suspense psicológico crescente. O resultado é uma combinação eficaz de cenas chocantes e comentários perspicazes sobre os perigos insidiosos do condicionamento cultural.

    A atriz ​Midori Francis brilha no papel principal como Hana, uma estudante de medicina que se submete a limites radicais para alcançar o corpo considerado ideal. Hana está presa em um ciclo de compulsão alimentar, vergonha, arrependimento e obstinação, incapaz de aceitar o próprio peso que, em sua visão, lança uma sombra sobre sua vida. Vale ressaltar que a personagem tem um corpo de tamanho médio.

​  O filme não busca ambiguidades narrativas: o público acompanha Hana desde o momento em que ela começa a ver reflexos em seu apartamento de uma entidade assustadora, Bertha, e entra em estados catatônicos nos quais devora tudo o que encontra pela frente. A trama não questiona a sanidade da protagonista; ainda que Bertha possa ser lida como uma metáfora, ela é inegavelmente real. A verdadeira questão gira em torno dos motivos que a levam a ir a tamanhos extremos para se conformar a um padrão de beleza imposto.

​   Os elementos técnicos de Insaciável são excepcionais com uma paleta de cores sombrias para sugerir uma vida vivida às sombras, o visual é atmosférico, arrepiante e não recomendado para os mais sensíveis. O design de som é visceral e constrói uma paisagem sonora evocativa. Tudo culmina em um clímax frenético e assustador sobre ganância, desejo e excessos desenfreados, atacando com ferocidade a obsessão tóxica da sociedade pelos corpos femininos.

​Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️ BOM

      #insaciável #saccharine #terror #filme #cinema

LEVITICUS (2026) de "Adrian Chiarella"

 

Cura gay? Só que não! 🏳️‍🌈🏳️‍🌈🏳️‍🌈

​    Leviticus é mais um filme LGBTQIAPN+ que não chega aos cinemas brasileiros, ficando restrito às plataformas digitais. O terror ganhou hype no Festival de Sundance neste ano e, com o selo da NEON, era um dos lançamentos de terror mais aguardados da temporada. Na história, após um exorcismo destinado a "curar" sua homossexualidade, dois garotos suburbanos australianos são perseguidos por uma presença que assume a forma um do outro. O suspense psicológico é uma mistura de Corrente do Mal com Rivalidade Ardente.

​     A história de amor adolescente de Naim (Joe Bird) e Ryan (Stacy Clausen) ganha um rumo complicado pelo fato de os rapazes viverem em uma comunidade religiosa excepcionalmente repressiva. Logo descobrimos que a mãe solteira de Naim (Mia Wasikowska), devastada pela dor, levou o filho para a cidade para se juntar à paróquia cristã local, um grupo conservador, quase sectário, ao qual Ryan e sua família também pertencem. Fica claro que nesse mundo social fechado, a homossexualidade é considerada um pecado.

    ​Em uma referência direta ao Livro de Levítico, o terceiro livro do Antigo Testamento, no qual rituais são realizados para restabelecer a "pureza" de pessoas consideradas impuras, os jovens são submetidos a um ritual conduzido por um pastor/curandeiro. Invocando noções de luxúria, desejo e indecência, os meninos passam por uma espécie de exorcismo. A partir daí, quem passa pela cerimônia de libertação passa a ser assombrado por uma ameaça metamorfa, invisível para todos, exceto para a vítima, tomando a forma da pessoa amada.

     O filme ancora seu clima de terror em um sofrimento real e muito presente na comunidade LGBTQIAPN+: A aceitação por parte da família e meio social, o terror psicológico ganha ares realistas em um contexto adolescente. Leviticus, assim como outros filmes de terror independente deste ano (como Obsessão e Backrooms), mostra-se uma história sombria, divertida e com momentos genuinamente perturbadores. 

​Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️⭐️ MUITO BOM

#leviticus #LGBTQIAPN #terror #filme #dicadodia

HOMEM ARANHA - UM NOVO DIA (2026) de "Destin Daniel Cretton"

 

Nem tão novo assim! 🕷🕸 SEM SPOILERS

​    O Homem-Aranha é um personagem da Marvel muito querido pelo público e seus filmes estão entre os mais bem-sucedidos desse universo, seja pelas boas histórias ou pela narrativa jovem e divertida. Incrivelmente, neste novo filme, o personagem muda de tom e se torna mais maduro. Aquela aventura tradicional se transforma em um drama ocasional, e o Homem-Aranha ganha um recomeço após o fim trágico do último longa. 

    Como não existe ponto final em uma franquia milionária de Hollywood, logo surge uma nova ameaça no caminho do herói. Não há nada de muito novo ou diferente por aqui; ainda que abandone o tom colegial para mostrar um risco maior, Homem-Aranha: Um Novo Dia parece aquele mesmo filme de sempre. A cena pós-créditos mostra o desinteresse em trazer algo novo além do próprio protagonista.

    Enquanto grande parte do mundo se esqueceu de Peter Parker (Tom Holland), o vigilante continua a combater a injustiça como o super-herói mascarado. Quando uma estranha entidade começa a controlar alvos aleatórios para cumprir suas ordens, Peter precisa recorrer a amigos, novos e antigos, para salvar tanto as pessoas que ama quanto a cidade que jurou proteger.

    O longa praticamente gira em torno do autoconhecimento de Peter e da sua reaproximação com antigos amigos, além de estabelecer pontes com outros personagens do Universo Marvel. Tudo isso vem acompanhado de uma tonelada de elementos sobrenaturais que interferem na coerência da trama, já que apelam frequentemente para situações aleatórias com soluções convenientes. Há também momentos de ação carregados, que, embora contem com boas cenas, se repetem em um fluxo pouco memorável.

   Embora surjam surpresas, principalmente na revelação da grande ameaça da vez, a obviedade da premissa principal é notável, evidenciando a clara preparação para os próximos capítulos do Universo Cinematográfico da Marvel. Ainda assim, Homem-Aranha: Um novo dia cumpre sua missão de entreter sendo eficaz e suficiente para garantir uma divertida sessão de cinema pipoca.

Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️ BOM

#homemaranha #spiderman #marvel #cinema #hq

EQUILIBRIVM II (2026) de Anitta

 Brasilidade espiritualizada! 💮💮💮

     Equilibrium II (estilizado como EQUILIBRIVM II) é o nono álbum de estúdio da cantora brasileira Anitta e a segunda metade de um projeto de duas partes, complementando o oitavo álbum de estúdio da artista, Equilibrivm (2026). 

     Anitta sem dúvidas é a artista brasileira que mais se transformou nesses últimos anos, ela começou no funk, foi para o pop, para a música latina, criou um funk internacional e agora entrega um álbum com ritmos brasileiros. A verdade é que essa versatilidade da cantora nunca atrapalhou sua estética, linguagem e produção. Nessse novo trabalho podemos ouvir nossos ritmos de maneira poética e apreciar um álbum marcante.

     Anitta celebra os tambores do Brasil, abarcando os tambores do samba e os tambores dos terreiros que ecoam da Bahia ancestral para todo o país. A narrativa é bem estruturada, o álbum reflete os passos de Anitta nessa caminhada pessoal em busca de paz e saúde mental, ela constrói uma experiência musical inteira que conversa com a música brasileira num todo, da mpb ao reggae, do funk ao forró. Só isso já vale a audição.

     Junto desta segunda parte, Anitta lançou um curta de 35 minutos, que rendeu um merecido burburinho: é uma belíssima colagem de recursos, participações e referências, explorando a relação da artista com ela mesma, a carreira, a imagem e a fé. Segue sendo admirável ver uma artista deste porte ostentando sua relação com o candomblé, evocando Carmen Miranda e citando “Taí” de Joubert de Carvalho. 

     O projeto EQUILIBRIVM de Annita mostra sua maturidade criativa como artista e destaca sua ousadia de valorizar a fé e as raízes afro-brasileiras, saindo da música comercial e mergulhando em uma identidade cultural mais profunda. "Equilibrivm", partes um e dois, formam o projeto mais raro de Anitta.

Destaques: Sal Grosso, Oke, Não me cutuca, Não sou Santa e Ogum me Rodeia. 

Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️⭐️ MUITO BOM

#anitta #equilibrium #fé #mpb #musica

MUSIC, FASHION, FILM (2026) de Charli XCX

 

Referencial e despretensioso! 🎙🎙🎙

​     Charli XCX encerra a era BRAT com o novo álbum conceitual Music, Fashion, Film, onde já na capa temos três lendas, o músico John Cale, o estilista Marc Jacobs e o cineasta Martin Scorsese. BRAT, último álbum da cantora, foi um fenômeno pop desde o seu lançamento, e logo em seguida ela emendou músicas para a trilha sonora do filme Wuthering Heights (O Morro dos Ventos Uivantes). 

    Neste trabalho no qual a própria cantora interrompe o clima e o ritmo pop da era BRAT com músicas mais conceituais e ainda assim elegantes, ela acerta em cheio. O pop com guitarra e sintetizadores que brinca de ser rock é a maior sacada deste álbum, trazendo canções que facilmente estariam na discografia de alguma banda indie. Não há dúvidas de que a produção musical está impecável a cargo de A. G. Cook e Finn Keane e por incrível que pareça, mesmo as letras mais simplistas funcionam bem nas faixas e no conceito. 

     Se a faixa "Rock Music", primeiro single do projeto, já mostrava a atitude rock da cantora, essa vibe percorre por todo o álbum. A estética rock traz um contexto novo para a parceria com Cook e Keane, soar coesa em seu ritmo vibrante e em melodias brilhantes, porém ácidas. É um rock descolado e desleixado no qual Charli reflete sobre a inautenticidade das estrelas pop e o apocalipse. 

    O ápice do trabalho é a faixa final: uma citação do diretor de cinema David Cronenberg, “Eles estão mortos, eles se foram, ninguém dura para sempre”, ecoa morbidamente na saideira, “No One Lasts Forever”. Você pode interpretá-la literalmente: a grande arte sobrevive aos seus criadores. Charli XCX sobrevive em uma era onde ser popstar é não durar para sempre, é um momento. 

Destaques: "Rock Music", "SS26", "I Am Afraid", "Yeah" e "No One Lasts Forever". 

Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️⭐️ (MUITO BOM)

#charlixcx #musicfashionfilm #spotify #musica #pop

PEQUENAS CRIATURAS (2026) de "Anne Pinheiro Guimarães"

 ​A melancolia de Pequenas Criaturas 🐵🐵🐵

     Ambientado na década de 80, Pequenas Criaturas traz o reflexo de pessoas perdidas em uma Brasília que ainda tentava se estabelecer. O filme retrata uma família recém-chegada tentando reconstruir a própria vida em uma cidade com ares futuristas, mas também estranhamente vazia e indiferente. Carolina Dieckmann interpreta uma mãe abandonada pelo marido que precisa lidar com conflitos enquanto seus filhos amadurecem, enfrentando medos e descobertas. O drama transforma a arquitetura da capital no espelho da solidão, do abandono, do não pertencimento e da dificuldade de comunicação familiar. 

    ​Dirigido pela brasiliense Anne Pinheiro Guimarães, que cresceu na cidade, o longa traduz essa ambiguidade de forma envolvente ao traçar paralelos humanos em uma capital criada para ser política. O foco está nas pessoas comuns, em seus dilemas e angústias, o que dialoga perfeitamente com a "indiferença" arquitetônica de Brasília. Sem qualquer rede de apoio, os personagens enfrentam dificuldades, cada um à sua maneira, para se adaptar à nova realidade. Assim, a melancolia se torna o elemento central da narrativa. 

     A beleza do filme está em sua montagem delicada e paciente, atenta às esperanças e capaz de dosar a calmaria dos espaços vazios com a urgência do viver e do se relacionar. Além do trio protagonista, a produção conta com dois "coadjuvantes de luxo", Letícia Sabatella e Caco Ciocler. No geral, todo o elenco entrega atuações consistentes e de altíssimo nível. 

    ​Pequenas Criaturas se alinha à tendência atual do cinema brasileiro de suavizar o realismo áspero com toques de fantasia, além de brincar com referências icônicas da cidade como o rock na trilha sonora e menções a OVNIs. Trata-se de um filme sensível e otimista sobre pertencimento. 

Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️ BOM

#pequenascriaturas #cinemabrasileiro #cinebrasilia #carolinadieckmann #annepinheiroguimaraes

MARSUPILAMI (2026) de "Phillipe Lacheau"

 

Fofinho e engraçado! 🐱🐱🐱

     O Marsupilami, personagem superfamoso na Europa, foi criado em 1952 pelo quadrinista belga André Franquin. Por aqui, ele marcou gerações de brasileiros, principalmente no final dos anos 1990 e início dos anos 2000. A série animada foi exibida com grande sucesso no país pelo Disney Club (que depois virou o saudoso Disney CRUJ), no SBT, além de ter renderizado bons jogos de videogame na época.

​    Esta nova produção belga/francesa, que chega aos cinemas brasileiros pela Paris Filmes, é realizada pelo mesmo estúdio da franquia Asterix e Obelix. O longa conta com um elenco repleto de figurinhas carimbadas da comédia francesa, o que reforça o humor pastelão da obra. A bagunça é tão divertida que o filme arranca boas risadas já na primeira meia hora, mesmo antes de o bichinho fofo que dá nome à história dar as caras! 

    O roteiro opta por se distanciar dos quadrinhos ao não adaptar nenhum álbum específico e nem resgatar seus personagens clássicos. O próprio Marsupilami tem uma presença mínima em cena e quase não há espaço para desenvolver sua mitologia. Embora isso não estrague a experiência, pode decepcionar quem esperava ver mais do protagonista em ação. 

    O verdadeiro ponto forte está no elenco, que demonstra uma química genuína e dá vida a uma enxurrada de piadas. O filme ainda abre espaço para comediantes populares como Didier Bourdon e Gérard Jugnot, mesmo que em participações pontuais e discretas. A trama serve apenas como um pano de fundo despretensioso para piadas sem fim e uma abordagem um tanto datada das realidades políticas e sociais. 

​    No fim das contas, Marsupilami: Confusão a Bordo é uma opção leve e divertida para assistir em família, aquele perfeito passatempo estilo Sessão da Tarde. 

Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️ BOM 

   #marsupilami #comedia #cinema #filme #disneyclub

A ODISSÉIA (2026) de "Christopher Nolan"

 

​O espetáculo de Nolan! ⚔️⚔️⚔️

    A Odisseia, nova obra cinematográfica do hypado diretor Christopher Nolan, é um deleite para qualquer pessoa que ama o cinema em sua melhor vertente. A epopeia, atribuída ao poeta grego Homero, é estruturada em múltiplos flashbacks, tramas paralelas e contos dentro da própria narrativa, tudo o que Nolan adora e que já aparecia em seu filme de estreia, Amnésia, lá em 2000. 

    ​É evidente que as fortes expectativas sobre o filme deixam claro como o cinema vive de especulações, notícias de bastidores e estratégias de marketing que, às vezes, se mostram mais fortes que a própria obra. A Odisséia é um desafio à altura de Nolan, é uma jornada épica e repleta de ação, com estrutura narrativa não linear e visualmente deslumbrante, que oferece liberdade interpretativa ao mesmo tempo em que consegue ser extremamente divertida. 

    ​No filme, Odisseu, interpretado de forma convincente por Matt Damon, narra seus encontros fantásticos com o Ciclope, a feiticeira Circe e outras figuras lendárias. Nolan deixa a interpretação a cargo do público, tudo isso realmente aconteceu e o rei de Ítaca carrega um carma terrível ou ele está marcado pela guerra e atormentado pela culpa e loucura. Dessa forma, o diretor consegue resgatar aventuras mitológicas à la Ray Harryhausen (Fúria de Titãs). 

    ​Devido à natureza episódica do roteiro ditada, obviamente, pelo material original enorme, o público pode encontrar dificuldades iniciais para se envolver com a jornada e se identificar com os personagens. Os diversos astros hollywodianos fazem participações especiais, alguns fazem apenas uma ponta e a filmagem em plano fechado pode incomodar em alguns momentos. Mas isso e outras observações é preciosismo. Tudo em A Odisséia é deslumbrante.

    Perto do final, durante um flashback da queima de Troia, tudo se encaixa perfeitamente e o longa chega muito perto do ápice das epopeias cinematográficas. É o cinema de espetáculo em sua melhor forma e criando seu próprio estilo contemporâneo de contar boas histórias. Imperdível!

Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️⭐⭐️ HYPE

#theodyssey #aodisseia #christ

O CONVITE (2026) de "Olivia Wilde"

 

Um jogo mental para adultos! 🍽👥️

​   O Convite é um filme no qual qualquer adulto com alguma experiência de vida se reconhecerá. Ele nos submerge em um turbilhão de emoções mistas, seja pela risada mordaz diante de assuntos sérios, pela discussão indesejada de casal ou por temas indelicados que podem gerar consequências graves. Toda essa dinâmica se transforma em uma sátira social incisiva e, muitas vezes, hilária, servindo de estopim para um filme que certamente entrará na lista de melhores do ano de muitos cinéfilos. 

   O longa começa com uma conversa rotineira entre o casal Angela (a também diretora Olivia Wilde) e Joe (Seth Rogen), que convidam seus vizinhos de apartamento, Pina (Penélope Cruz) e Hawk (Edward Norton), com o intuito de socializar. Surpreendentemente, o elenco se resume a apenas esses quatro personagens e cada diálogo ou pretensão de cordialidade se transforma em momentos divertidos e constrangedores. As atuações estão impecáveis. 

     O encontro se torna um profundo estudo sobre relacionamentos humanos. Inteiramente ambientado em um único cenário, um apartamento, a diretora Olivia Wilde impede que o filme pareça uma peça teatral filmada graças a uma trilha sonora que acompanha o ritmo dos acontecimentos, posicionamentos de câmera criativos e uma edição astuta. O filme é baseado no longa espanhol Sentimental, de Cesc Gay. 

     O Convite é um filme esplêndido, repleto de diálogos ácidos e farpas cáusticas. Ele oferece uma noite bem-sucedida de diversão e jogos mentais para adultos que se identificarão facilmente com os desdobramentos daquela que deveria ser apenas uma noite agradável em casa. Uma obra que mistura comédia e tragédia de forma extremamente eficaz. Imperdível. 

Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️⭐️⭐️ (Hype)

#theinvite #oconvite #cinema #comédia #o2play @o2playfilmes

A MORTE DO DEMÔNIO: EM CHAMAS (2026) de "Sébastien Vaniček"

 

Fogo no parquinho! 🔥🔥🔥

​A Morte do Demônio: Em Chamas é implacável, sangrento e diabólico, ingredientes essenciais para qualquer título da saga Evil Dead. No entanto, fica a sensação de que essa nova fase moderna se afasta cada vez mais da essência clássica da trilogia original, onde o baixo orçamento, compensado por efeitos toscos com demônios tenebrosos e mortes inconsequentes, ditava o charme da obra. É Evil Dead, mas parece faltar um pouco da alma de Evil Dead nele. 

​    Ainda assim, há uma intensidade inegável pulsando na tela. O diretor Sébastien Vaniček traz bastante originalidade e consegue prender a atenção por quase duas horas, submetendo seus personagens a uma carnificina que poucos filmes de terror convencionais conseguem alcançar. A maldade imensa aqui apresentada se encaixa perfeitamente tanto em um terror mais existencial quanto nesta franquia em particular, visceral e gore. Curiosamente, o alívio cômico fica a cargo da vovó. 

    ​Ambientada quase inteiramente em uma antiga casa de família, isolada após um funeral, a trama surpreende pelo modo como o diretor consegue prender nossa atenção em praticamente um único cenário. O filme parece determinado a quebrar suas próprias regras narrativas ao criar bestas demoníacas quase invencíveis. A crueldade calculista desses demônios é bem diferente do que estamos acostumados, e talvez esse seja o principal distanciamento dos outros longas.

 

​    No fim, A Morte do Demônio: Em Chamas se consolida como mais um capítulo de qualidade na marca e deixa ganchos claros para a continuidade do universo, com duas cenas pós-créditos bem sangrentas. Imperdível!

​Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️⭐️ MUITO BOM

#evildead #amortedodemonio #terror #cinema #gore

MOANA (2026) de "Thomas Kail"

 Cópia sem alma! 🫆🫆

    Moana chega ao formato live-action sem trazer qualquer diferencial em relação à animação original. O filme repete cenas e diálogos à exaustão, confirmando a tendência preguiçosa da Disney de reciclar seu próprio repertório. 

    Como se não bastasse, Dwayne "The Rock" Johnson confirmou a produção de Moana 3 durante sua passagem promocional pelo Brasil, evidenciando como a ganância do estúdio fala mais alto que qualquer traço de originalidade.

     Esta versão parece uma cópia mais lenta, sombria e menos fantasiosa da história que já conhecíamos. Se o desenho animado ainda mantinha certo brilho e um frescor, o que salva este remake de um fiasco completo é a boa produção musical e o elenco carismático, incluindo a novata Catherine Laga’aia como protagonista. Por outro lado, Dwayne Johnson entrega um Maui surpreendentemente sem graça.

​    A trama situa-se em um antigo mundo no Pacífico Sul. Em sua jornada em busca de uma lendária ilha, a adolescente Moana une forças ao seu herói, o semideus Maui. Pelo caminho, eles enfrentam criaturas marinhas, exploram mundos submersos e descobrem uma cultura ancestral.

     Não há dúvidas de que a jornada de empoderamento de Moana encanta, mas no live-action ela soa superficial e menos impactante do que na animação, que tinha a capacidade técnica de externalizar sentimentos e exagerar emoções para causar efeito.

​     Moana (2026) carece do ritmo, do humor, do charme e da emoção do original. Além disso, o filme levanta constantemente a questão do porquê de sua existência, já que a versão de 10 anos atrás ainda funciona perfeitamente bem. Vai entender!

Meu Hype: ​⭐️ RUIM

#moana #disney #cinema #therock #musical

CONFESSIONS II (2026) de "Madonna"

        

​De volta à pista de dança! 🪩🪩🪩

     Em seu álbum mais relevante em mais de duas décadas, Madonna prova que ainda sabe como nos fazer dançar e justifica sua fama de Rainha do Pop. Sua postura de destaque na indústria musical se estende por décadas, seja pela irreverência ou por estar sempre conectada a causas importantes, como a luta pelos direitos das minorias ou o posicionamento político firme. Em Confessions II não é diferente: o álbum é uma continuação direta do último grande sucesso comercial de sua carreira, Confessions on a Dance Floor (2005), trazendo elementos que remetem tanto a esse antecessor quanto aos seus hits clássicos.

​     Confessions II funciona muito bem porque é o trabalho cuidadoso de uma artista talentosa que ainda sente o poder da música eletrônica na pele e na alma. Sua parceria com o produtor Stuart Price mostra uma artista à vontade, mesmo com a enorme responsabilidade de entrega que a fama exige. Certamente, após o grandioso show na Praia de Copacabana, no Rio de Janeiro, para mais de 2 milhões de pessoas, Madonna sentiu a confiança de seu peso como artista atemporal e sempre à frente de seu tempo.

     ​Convenhamos: entregar um trabalho excepcional com uma carreira tão longa, em uma indústria que costuma afastar artistas veteranos dos holofotes para priorizar novos talentos, faz com que sua obra ganhe ainda mais força, emoção e uma produção poderosa e elegante. Após cerca de 40 minutos de um house-pop pulsante e trance psicodélico, o álbum torna-se mais reflexivo em sua parte final.

    Ao revisitar seu passado, tanto pessoal quanto musical, Madonna criou um álbum essencial que conversa diretamente com seu público. Contando com convidados relevantes, como a atual estrela pop Sabrina Carpenter, o DJ e produtor Martin Garrix e o cantor Stromae, essa coleção de músicas faz qualquer pista pulsar. Mesmo que a indústria atual não a valorize como deveria, Madonna se reafirma como a Rainha do Pop, sem medo de ser feliz. 

​Destaques: One Step Away, Danceteria, Everything, Love Sensation e Love Without Words 

Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️⭐️⭐️ ÓTIMO

#madonna #confessions #music

MINIONS & MONSTROS (2026) de "Pierre Coffin"

 

Uma sátira à magia do cinema! 🍌🍌🎬

​O novo filme dos personagens malucos da franquia Meu Malvado Favorito chega aos cinemas com uma escolha criativa interessante, surpreendentemente, a nova produção se desprende um pouco do humor pastelão puramente infantil para se inspirar na magia do cinema e na zoação com Hollywood. 

     Geralmente, quando se fala em apelar para a nostalgia ou em inundar a tela com easter eggs, o objetivo é apenas agradar aos fãs e dar a eles o que desejam. Mas em Minions & Monstros, isso vai além: a própria existência do longa se justifica ao contar a história do cinema pela ótica distorcida dos Minions, lembrando muito o espírito do desenho Animaniacs na década de 1990. 

     Esse tom de zoeira está presente desde a logo inicial da Universal até os créditos finais. São referências a cenas icônicas que vão dos monstros clássicos a Humphrey Bogart, dos faroestes a Cidadão Kane. Há até um ponto da trama que parece saído do recente, cínico e vulgar Babilônia, mostrando os carismáticos seres amarelos lutando e fracassando para se adaptar à transição do cinema mudo para o falado. 

​     As trapalhadas dos Minions sempre pareceram parcialmente inspiradas pelas acrobacias cômicas de nomes como Charlie Chaplin e Buster Keaton, inclusive, em determinado momento, uma casa desaba sobre um Minion, em uma clara homenagem a Keaton. Sendo assim, parece natural que o diretor Pierre Coffin (que continua dublando todas as criaturinhas) decida inseri-los na Era de Ouro de Hollywood. 

​     É fácil encontrar referências a clássicos de monstros, faroestes e ficção científica ao longo da projeção. É uma delícia acompanhar cada homenagem na tela. Infelizmente, em seu terço final, o filme se perde um pouco, o confronto final tem mais em comum com os blockbusters modernos e genéricos do que com o cinema clássico que a obra tenta celebrar. 

     Minions & Monstros segue algumas das fórmulas das animações modernas de Hollywood, mas também funciona como um testemunho e uma celebração da beleza e da magia de fazer e assistir a filmes.

Meu Hype: ⭐️ ⭐️ ⭐️ ⭐️ MUITO BOM 

#minions #illumination #cinema #hollywood #desenho

SUPERGIRL (2026) de "Craig Gillespie"

 Uma heroína caótica! ♀️♀️♀️

​     Supergirl traz de volta aos cinemas a DC Studios que no ano passado, apresentou um novo Superman interpretado por David Corenswet e uma nova perspectiva para o universo da DC Comics nas telonas. A heroína, interpretada pela ótima Milly Alcock, tenta repetir o sucesso da personagem nos quadrinhos clássicos e em suas várias adaptações. Em sua incursão recente mais marcante na televisão, a série Supergirl construiu uma base sólida e fiel de fãs que acompanharam Kara Zor-El durante seis anos dentro do chamado “Arrowverse”.

​    A principal distinção da Supergirl em relação ao Superman é o seu histórico emocional. Por ter presenciado a destruição de seu planeta e de sua cultura de forma consciente, a personagem é frequentemente retratada com sentimentos complexos, como o luto e o trauma, lidando diretamente com o peso do passado. Ao longo das diferentes eras da DC, a origem de Kara foi adaptada, mas a essência de ser uma sobrevivente consciente de Krypton continua sendo sua marca registrada.

​    Esse diferencial fica bastante evidente na direção escolhida para este longa. Seu caminho é bem diferente do trilhado pelo Superman de 2025: o filme se passa longe da Terra, cercado por novas criaturas, em uma jornada inconstante e pouco segura. Uma simples comemoração de aniversário, o envenenamento do querido Krypto (o fiel companheiro de Kara) e o encontro com uma garota com sede de vingança são elementos suficientes para dar partida a uma grande aventura.

​    Supergirl é um filme simples e bastante efetivo. Ele sobrevive de suas maiores inseguranças ao inserir um senso de perigo real em um norte previsível. Assim, a produção ganha fôlego em meio à atual decadência dos filmes de super-heróis, marcada pela queda de qualidade técnica e criativa e pela repetição cansativa das mesmas fórmulas narrativas.

​    O maior mérito deste Supergirl é fazer o básico e, ainda assim, entregar elementos que se destacam, como a participação do personagem Lobo (interpretado por Jason Momoa), impor uma estética suja e alternativa embalada por uma trilha sonora descolada, e uma heroína extremamente cativante.

​       Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️ Divertido

#supergirl #dccomics

APENAS COISAS BOAS (2026) de "Daniel Nolasco"

 ​Um conto gay! 🏳️‍🌈🏳️‍🌈

    ​Apenas Coisas Boas é o segundo longa-metragem do diretor Daniel Nolasco, que desta vez aposta em um "conto" misterioso sobre dois rapazes apaixonados em uma área rural, um pai homofóbico e uma narrativa não linear. Se em Vento Seco, o diretor já apresentava personagens misteriosos, sexo semi explícito e a exploração da subcultura gay, em Apenas Coisas Boas tudo fica ainda mais complexo e, por vezes, confuso também. 

​   O filme conta com uma fotografia belíssima, tudo acontece no interior de Goiás, na cidade de Catalão, na década de oitenta, acompanhando Marcelo (Liev Carlos), um rapaz que viaja de moto. Ele sofre um acidente e é encontrado por Antônio (Lucas Drummond), um solitário fazendeiro que o leva para sua casa. Os dois iniciam um caso apaixonado até que as coisas tomam um rumo trágico. 

​    No que certamente é o grande trunfo de Nolasco, a narrativa assume um tom enigmático em que o espectador não sabe exatamente o que aconteceu. A história muda de tom e também de personagens: o que era uma trama rural bem ao estilo "Brokeback Mountain" se transforma em uma história urbana, cheia de pontas soltas sobre o que realmente está acontecendo. 

​    O longa foge da urgência do trabalho anterior do diretor usando a poesia e a melancolia da vivência sexual masculina, sem medir o quanto a masculinidade tóxica enraizada, no filme representada pelo pai do personagem principal, pode afetar o fluxo de uma vida inteira de um homem. O simples ato de estar junto a outro homem pode representar tanto um perigo quanto um tesão em uma sociedade onde o homem é quase obrigado a satisfazer seus desejos de maneira clandestina. 

    Por ser uma obra que dificulta uma conexão imediata, ou mesmo o apego aos personagens devido à sua narrativa misteriosa, Apenas Coisas Boas se mostra um exercício cinematográfico importante, principalmente para quem está acostumado a ter todas as respostas sem necessidade de pensar. Essa história combina muito bem com a comunidade LGBTQIAPN+, que sempre tem seus caminhos cruzados com o perigo do preconceito e da aceitação alheia.

Meu Hype: ⭐️⭐⭐️ - BOM

#apenascoisasboas

QUINZE DIAS (2026) de "Daniel Lieff"

 

Ser um adolescente Gay! 🏳️‍🌈🏳️‍🌈🏳️‍🌈

   O livro best seller "15 dias" de Vitor Martins ganha vida nas telas de cinema e se tem uma frase presente no livro que marca qualquer trajetória de vida de um LGBTQIAPN+ é: “quando se trata de socializar na vida real, sou um grande fracassado”. A história de Felipe e suas vivências escolares, inseguranças e incertezas fazem parte do pacote de situações vividas por qualquer adolescente e acaba sendo muito mais intenso em alguém da comunidade LGBTQIAPN+. 

   O filme consegue com méritos retratar isso com a ajuda de um elenco muito conectado e desenvolvido além de momentos cômicos e dramáticos que envolvem o espectador em cada cena. Apesar da trama narrativa ter momentos engraçados, é muito fácil o reconhecimento pessoal nos dramas vividos, a história trata de algumas questões bem sérias, especialmente homofobia, gordofobia e bullying. A jornada de Felipe é tão sensível e preciosa que pode ajudar outros jovens.

   Felipe, de 17 anos precisa dividir o quarto com o vizinho Caio enquanto os pais deste estão viajando. O problema é que Caio é o seu crush e antigo amigo de infância. Ao longo de 15 dias, Felipe é obrigado a confrontar suas inseguranças e se abrir para que o constrangimento inicial entre eles dê espaço a uma troca de ideias, opiniões e sentimentos que vai mudar o modo como ele se sente em relação a si mesmo. A chegada de Caio faz Felipe questionar muito do que achava ser verdade sobre si mesmo. 

   O filme segue um caminho bastante confortável para o público, algo como acompanhar uma novela romântica ou um k-drama, essa leveza é conquistada pelo carisma das atuações do elenco e de uma história que mesmo suavizada não deixa de ser dolorida.

    Algo importante não só em 15 dias como na vida real é entender que ser LGBTQIAPN+ é ser resistência, é enfrentar duras batalhas que muitas vezes começam na infância e adolescência e são levadas por toda vida, o que fazem de histórias como essa serem tão relevantes e necessárias.

Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️⭐️ ÓTIMO 

#15dias #vitormartins #LGBTQIAPN #orgulho #cinema @conspiracaofilmes @manequimfilmes

TOY STORY 5 (2026) por "Andrew Stanton"

 

Síndrome de Peter Pan! 🧸🧸🧸

    Toy Story chega ao seu quinto filme reforçando como os grandes estúdios apostam na nostalgia de personagens e franquias conhecidas para sobreviver em meio à crise intelectual. Se já era absurdo imaginar essa saga indo além da trilogia inicial, aqui recebemos uma "atualização" na história com a chegada das telas e do digital ao mundo dos brinquedos. Os personagens vivem uma espécie de "síndrome de Peter Pan" ou um loop em mais uma jornada contra o abandono. Parece que já vimos esse filme. 

     A história levanta um interessante conflito contemporâneo sobre a era digital; a trama central surge de uma premissa formalmente convincente e com claro potencial sociológico. A introdução do Lilypad, um tablet interativo projetado em torno da lógica da conectividade remota, visa articular uma crítica direta às práticas parentais atuais, à dependência de telas como substitutas do cuidado materno/paterno e ao consequente isolamento de crianças hiperconectadas. 

     No entanto, esse argumento interessante esvazia-se quando segue o caminho seguro e emotivo que já se espera. O que poderia ter sido um ensaio cinematográfico incisivo sobre a alienação tecnológica acaba se dissolvendo em uma resolução simplista e divertida, sem aproveitar sua real profundidade. O filme recicla dilemas existenciais sobre desuso, abandono e o propósito dos brinquedos, atualizando-os para a "geração iPad". É um tema que cai como uma luva nesta nova etapa de Toy Story, mas falta brilho à história: tirando a protagonista Jessie, os demais personagens possuem tramas aquém do esperado. 

     A chegada de Toy Story 5 (2026), dirigido por Andrew Stanton, confirma o diagnóstico cinematográfico de que esses personagens seguirão em novas produções, em um exercício constante de "novas" aventuras. O filme sobrevive pelo forte sentimento afetivo de sua narrativa, mas mostra-se questionável na inércia de uma franquia que se recusa a morrer porque, simplesmente, é lucrativa demais. 

  Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️ BOM

#toystory5 #pixar

DIA D (2026) de Steven Spielberg

 Nasce um novo clássico de Spielberg! 👽👽👽

​    Steven Spielberg dispensa apresentações. Seu nome é sinônimo da história do cinema desde sua estreia em 1971, e até hoje ele continua brilhante na compreensão da sétima arte como um espetáculo que vai muito além dos efeitos especiais. Em Dia D o diretor examina temas complexos como fé, obsessão, comunicação, transcendência e o lugar da humanidade no universo. 

​   Embora a história seja repleta de explicações, o roteirista David Koepp encontra maneiras elegantes de transmitir grandes quantidades de informação. Dia D  entrega emoção, suspense, perigo, ousadia e o coração pulsante de uma história bastante sensível. A grande questão do filme é o motivo de os alienígenas estarem aqui, e isso é respondido de forma satisfatória por meio de uma narrativa que, em última análise, é sobre a compreensão de um mundo cada vez mais dividido. 

   Não é difícil extrapolar a ideia de alienígenas vivendo entre nós para a nossa própria atualidade. Em certo momento, dois personagens debatem "valores" de uma forma que parece saída diretamente de programas de debate político. Para Spielberg, no entanto, esse não é um embate a ser travado. Empatia, ciência e fé, juntas, devem enriquecer nossas vidas, e não nos dividir, por mais que outras forças desejem o contrário. 

   Merece destaque também a atuação de Emily Blunt como uma mulher que recebeu um dom para o qual não está preparada. Seu poder reside em enxergar profundamente o coração das pessoas e a bondade que habita em cada um de nós. Blunt tem uma maneira única de nos desarmar e nos ensinar ao mesmo tempo: ela é engraçada, forte e apaixonada, e o filme simplesmente não funcionaria sem ela. 

    Spielberg já nos presenteou com grandes blockbusters antes, mas Dia D é um espetáculo essencialmente humano, é a humanidade que nos impede de recorrer à destruição e à violência física. É a empatia que nos faz ouvir, nos conecta e nos aproxima. No fim, fica a certeza de que Spielberg acredita na vida em outros mundos e nos entrega o filme evento para o dia da revelação. 

 Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️⭐️ ÓTIMO 

#disclosureday #diad #spielberg #scifi #alien

BACKROOMS - UM NÃO LUGAR (2026) de Kane Parsons

 

Um pesadelo imersivo! 🚪🚪🚪

​    Sabe aqueles filmes que se tornam clássicos instantâneos? Backrooms: Um Não-Lugar tem essa aura. Após assisti-lo, considero que seu impacto nesta nova geração seja próximo ao que foi o fenômeno de A Bruxa de Blair no final dos anos 90. Tudo isso acontece de forma quase orgânica; o filme não tem a prepotência de se forçar como cult, mas tudo se encaixa para que ele atinja esse status.

   Quando uma obra de terror consegue transformar o medo em imersão e torna a experiência crível, real e palpável, fica claro que seu objetivo foi alcançado: o espectador não sai o mesmo após a sessão. O diretor Kane Parsons explora meticulosamente o conceito para criar o horror liminar definitivo, expandindo sua série de vídeos virais do YouTube baseada na infame creepypasta homônima da internet. 

    O longa nos imerge perfeitamente em uma dimensão alternativa de escritórios labirínticos e assustadoramente vazios. À medida que seus loops desconcertantes surgem, com uma arquitetura contorcida em tons de sépia e móveis com falhas que se sobrepõem lentamente, o filme se manifesta como um banquete abstrato de design de som, visual e de produção.

    Sem ser prejudicado por uma ocasional propensão a sustos mais tradicionais e seguros, o que, ironicamente, ressalta a originalidade do conjunto, temos a ambientação anos 90 na história de Clark (Chiwetel Ejiofor) e a Dra. Mary Kline (Renate Reinsve) que atravessam a parede de uma loja para uma dimensão alternativa definida por um labirinto surreal e aparentemente infinito de escritórios vazios.

    Aliado a uma trilha sonora fantasmagórica que evoca Silent Hill, com sons industriais distorcidos e zumbidos eletrônicos ásperos, o filme entrega uma experiência fascinante por seus espaços liminares literais quanto pelos implacáveis espaços mentais. Embora o recurso de filmagem estilo "found footage" já esteja um pouco saturado no terror e o final se torne ligeiramente anticlimático, certamente pode-se dizer que Kane Parsons é uma uma nova e empolgante voz no cinema de gênero, e que Backrooms tem força para se tornar uma grande franquia.

Meu hype: ​⭐️⭐️⭐️⭐️ MUITO BOM

#backrooms #lançamento #terror #cinema #arquitetura