Crítica: VERÃO DA LATA (2026) de "Santiago Dellape"

 

Uma comédia marolenta! 🍂🍂🍂

​    O filme Verão da Lata teve sua estreia mundial no encerramento do 59º Festival de Brasília do Cinema Brasileiro. A comédia policial dirigida por Santiago Dellape é inspirada no famoso caso real de 1987, quando milhares de latas de maconha foram despejadas por um navio no litoral brasileiro. A produção é estrelada por Samantha Schmütz e Babu Santana na pele de dois policiais federais, traz Paulinho Serra como vilão e marca a estreia da paraense Alane Dias no cinema, além de contar com um grande elenco. 

​A trama acompanha os policiais federais Sandra (Samantha Schmütz) e Brasa (Babu Santana) na investigação sobre a origem da carga. Em sua jornada, a dupla cruza com diversos personagens marcantes da época, como traficantes, policiais corruptos, jornalistas e jovens locais. O longa mistura ficção, imagens de arquivo e trechos documentais para provar que esse episódio pitoresco da nossa história realmente aconteceu e não é apenas uma lenda urbana. 

   Santiago Dellape exibe uma direção descolada ao transformar uma história potencialmente densa em uma comédia leve e ágil. Ao misturar os fatos do "Verão da Lata" a situações e personagens inventados, o diretor brinca justamente com o limite entre realidade e ficção. Toda a estética inspirada nos anos 1980 surge muito viva em tela. Além de hilário, o filme recorre ao humor pastelão para garantir o ritmo da narrativa, transformando o enredo em uma grande diversão. 

    A proposta de Verão da Lata se inspira nos clássicos de ação oitentistas, como Máquina Mortífera e Um Tira da Pesada, mas adapta com maestria essa fórmula ao contexto brasileiro. A dupla de protagonistas substitui o clássico binômio gringo do "tira bom e tira mau" por uma malandra e um mané, no melhor estilo carioca. Se você entrar na brincadeira do diretor e do elenco sem levar tudo tão a sério, certamente dará boas risadas, principalmente com as piadas do universo "cannábico". Divertido!

​A estreia oficial em circuito nacional está marcada para 19 de novembro de 2026. 

​Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️ BOM

#verãonalata #festivaldebrasilia #comédia #cinemabrasileiro #fbcb

Critica: SABES DE MIM, AGORA ESQUEÇA (2026) de "Denise Vieira"

 Não é putaria, é terapia. ♨️♨️♨️ 

​     Sabes de Mim, Agora Esqueça é sobre a jornada de Rúbia (Pietra Sousa). Logo no início do longa, ela foge de um regime opressor controlado por homens com lanternas que exterminam o que não agrada ao sistema. O seu trem de fuga quebra e Rúbia é resgatada por Margô (Cida Souza), que comanda um cabaré em Ceilândia, Distrito Federal. O local resiste à repressão usando o afeto da convivência entre essas mulheres em um mundo distópico no qual elas encontram no transitório a família que o mundo se recusa a proporcionar. 

     ​A obra da diretora Denise Vieira, em seu primeiro filme, é bem-sucedida ao não se escorar na ideia de futuro para esconder lacunas na história, que, por sinal, é simples, mas profunda. Algo interessante de observar é que o filme se inspira muito em elementos clássicos do cinema brasileiro, como a narrativa contada por meio de um ritmo lento de montagem, diálogos arrastados e cheios de pausas, além de uma forte ênfase no texto falado. No entanto, foge totalmente dessas normativas ao trazer uma certa fluidez, utilizando o sexo e as metáforas disponíveis de maneira criativa. 

​    O filme não depende da realidade para retratá-la e discuti-la, pelo contrário, encontra em elementos de fantasia a sensibilidade poética que a simples retratação fiel do mundo não possibilitaria. A melancolia da falta de perspectiva dá lugar à alegria de se sentir vivo e seguro em um mundo hostil. Essa aposta na experimentação e na força do corpo feminino como eixo narrativo promove um mergulho sensorial em temas importantes, como desejo e violência, ao articular imagem, som e performance de maneira radical e inquieta. 

    Sabes de Mim, Agora Esqueça tem uma ternura bonita de se apreciar, ainda que sua dramaturgia possua ruídos importantes, nem sempre o filme demonstra um fôlego compatível com seu potencial, e o tema já foi explorado em outras produções. A carga dramática das atuações nem sempre é satisfatória, mas sua representação da importância social de um cabaré e a criatividade de usar tudo isso com um baixo orçamento são admiráveis. Como diz uma personagem emblemática do filme: não é putaria, é terapia. 

​Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️⭐️ MUITO BOM

Crítica: SE EU FOSSE VIVO... VIVIA (2026) de "André Novais Oliveira"

 

Uma bela história de amor! ❣️❣️❣️

    O longa "Se Eu Fosse Vivo... Vivia" teve sua estreia mundial na mostra Panorama do Festival de Berlim (Berlinale) em fevereiro de 2026 e foi exibido pela primeira vez no Brasil na Mostra Competitiva do 59° Festival de Brasília do Cinema Brasileiro. O filme  é um recorte muito sensível sobre o amor que supera o desgaste do tempo e se concentra nas coisas simples. 

​   O início promissor dessa jornada é empolgante, vamos até Contagem (MG) durante os anos 1970 para conhecer Gilberto, interpretado na versão mais jovem pelo ator Jean Paulo Campos. A atmosfera da época conta com um granulado charmoso, além de uma leve passagem por um momento marcado pelo movimento Black Power, com figurinos da época e um som contagiante. É nesse cenário que conhecemos o casal de protagonistas e iniciamos a jornada do filme. 

​    Uma grande passagem de tempo nos leva 50 anos depois aos dias atuais. O casal, já velho, vive uma rotina carinhosa e simples, colecionando momentos de afeto: o ato de descascar uma laranja sem machucar, o cochilo vendo TV, a ida ao médico juntos e a vontade de comer pão sovado com café. São momentos tão admiráveis e bonitos que tornam Norberto Novais e Conceição Evaristo um casal excelente, cheio de química e brilho em tela. 

    ​Ao chegar à metade da projeção, essa linda história de amor passa a sentir o peso do tempo. Na segunda metade, o filme adota uma linha mais fantástica, explorando a solidão e a esperança de uma vida sem fronteiras. Essa mudança abrupta de tom, do drama para a fantasia, causa uma quebra não muito satisfatória.

​    André Novais Oliveira é, sem dúvidas, um dos realizadores mais interessantes do cinema brasileiro atual. É admirável a coragem de unir os sentimentos mais puros de um casal idoso a uma fantasia de ficção científica com extraterrestres. No entanto, embora os efeitos práticos sejam muito bem executados, a junção dos dois temas não se interligam bem em tela, parecendo dois filmes distintos. Fiquei apaixonado pela primeira metada do filme e bem desconectado com a segunda parte lúdica.

Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️ BOM

#seeufossevivoeuvivia #andrenovaisoliveira #filmesdeplastico #festivaldebrasilia

Crítica: ANTÁRTIDA (2026) de "Bruno Safadi"

 Um bom thriller gelado! 🧊🧊🧊

​     Antártida é o novo blockbuster nacional produzido pela Globo Filmes e pela Paris Entretenimento. Um aparato tecnológico com produção digital inovadora foi criado em estúdio no Rio de Janeiro para simular de forma convincente o ambiente gelado e a neve. Por sinal, o filme demonstra muita qualidade estética ao mostrar a imensidão da neve e as bases militares nas cenas "externas". Tratadas com esmero pela fotografia (Mauro Pinheiro) e pela montagem (Rodrigo Lima), as imagens convencem que a história se passa no continente antártico. O elenco conta com Lázaro Ramos e Leandra Leal, que vivem um casal em crise; Antônio Calloni como o capitão da base brasileira; Andrea Beltrão e Marina Ruy Barbosa, cuja personagem é o pivô de toda a trama.

​     A história tem elementos suficientes para elevar a temperatura a partir de um crime ocorrido em um lugar inóspito. A base científica brasileira na Antártida passa por uma nevasca intensa que a deixa isolada e, nesse momento adverso, uma cientista recém-chegada (Marina Ruy Barbosa) é violentada. A narrativa foca no suspense psicológico e em como o acontecimento muda o foco da base e mexe com a rotina de todos.

​    O filme segue o clichê básico do gênero: reunir, em um ambiente fechado, um grupo de pessoas problemáticas que precisam conviver administrando sucessivas crises. Embora sejam cientistas, a racionalidade passa longe durante o confinamento. Ainda que use como gancho o aquecimento global e a crise climática, o foco principal é a questão de gênero em um ambiente no qual as mulheres estão em desvantagem numérica (quatro contra oito), elevando a tensão, a dúvida e a paranoia.
​
    Antártida sofre um certo boicote da crítica especializada, não só por ser produzido pela Globo, mas também por abordar uma temática feminista. É um assunto delicado, mas incorporado com uma tensão de tirar o fôlego. Ainda que não busque grande profundidade nos personagens e priorize o entretenimento, o longa entrega uma mensagem forte e um suspense muito bem executado. Achei divertido.

​Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️ BOM

Crítica: RESIDENT EVIL (2026) de "Zach Cregger"

 Tenso do início ao fim! 💥💥💥

    Resident Evil, dirigido por Zach Cregger (A Hora do Mal), é aquele caso raro em que duas mídias fundamentais se conectam com maestria, uma combinação astuta de "bom filme por si só" com a autêntica "sensação de estar jogando o jogo". A maioria dessas adaptações, sejam boas ou ruins, costuma ser forçada a escolher apenas um dos caminhos. 

   Os fãs mais antigos têm um carinho especial pela era de Paul W.S. Anderson, uma mistura estilizada de ação e ficção científica estrelada por Milla Jovovich, mas o desgaste do formato acabou exigindo um ponto final. Antes de chegar a este novo momento, a franquia ainda passou por um fiasco, o fraco reboot Resident Evil: Bem-Vindo a Raccoon City (2021). 

    A insistência do estúdio em apostar em uma das marcas mais consolidadas dos videogames finalmente surtiu efeito. Aqui, tudo está no seu devido lugar, consagrando o longa como uma das adaptações mais bem-sucedidas já feitas. ​

    A ação engrena sem rodeios: Bryan (Austin Abrams) corre contra o tempo rumo a um hospital, tentando se livrar do órgão que foi contratado para entregar. O que deveria ser apenas seu último serviço da noite vira um pesadelo quando uma proposta de pagamento em dobro o faz aceitar uma corrida até Raccoon City, um destino isolado que logo se revela uma armadilha aterrorizante. 

​ O novo Resident Evil entrega entretenimento completo, servindo tanto aos gamers de carteirinha quanto aos aficionados por horror. Para coroar a experiência, o tom de comédia tragicômica conduzido por Austin Abrams garante ótimas gargalhadas em meio ao caos e às criaturas bizarras. Embora deixe pontas soltas sobre a infecção, os bastidores da Umbrella e o destino do protagonista, o gancho para o futuro nunca pareceu tão promissor. 

​Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️⭐️⭐️ HYPE 

#residentevil #zachcregger #videogame #cinemas #terror

Crítica: PRIVADAS DE SUAS VIDAS (2026) de "Gurcius Gewdner" e "Gustavo Vinagre"

 

Cinema underground! 🚽🚽🚽

​    O terror escatológico Privadas de Suas Vidas teve sua estreia em território nacional durante o 59° Festival de Brasília do Cinema Brasileiro. Sabe aquele tipo de filme que, ao terminar a sessão, você se pergunta como tiveram a coragem de colocar uma ideia tão maluca em prática? Trata-se de uma obra difícil para quem tem estômago fraco. 

​  Na história, Malu (Martha Nowill) administra uma empresa especializada em "chás-revelação". Após seu filho, Luan, morrer no incidente que abre o filme, ela precisa voltar ao trabalho enquanto enfrenta uma severa constipação e o condomínio onde ela mora passa por uma grande onda de entupimento de privadas. Esses acontecimentos se conectam em uma ameaça sobrenatural sobre ela, seus amigos e vizinhos. 

​    O filme começa com uma cena de defecação sob um ponto de vista tão grotesco que deixa o espectador atordoado antes mesmo de um vaso sanitário engolir uma criança. A partir daí, a situação só se intensifica. Os diretores Gurcius Gewdner e Gustavo Vinagre criaram uma comédia de terror tão comprometida com sua premissa que o público só tem duas opções: entregar-se à proposta ou encarar 100 minutos de pura tortura. 

​    Privadas de Suas Vidas se destaca pelos efeitos práticos fenomenais e pelas atuações impecáveis de seus protagonistas. A cinematografia, o design de som e a paleta de cores elevam a obra a um nível superior para o gênero. Contudo, nem tudo é equilibrado, a ousadia dos realizadores em explorar o gore nojento deixa a experiência fora de controle. Por fim, é aquele tipo de filme provocador, grotesco e desafiador que causa repulsa e cumpre o que promete mas que você provavelmente só conseguirá assistir uma única vez na vida. 

Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️ BOM

#privadasdesuasvidas #festivaldebrasilia #fbcb #gore #underground

Crítica: Todo Sentimento (2026) de "Glenda Nicácio e Ary Rosa"

 Sentimento distópico! ❤️‍🩹❤️‍🩹❤️‍🩹

    Imagine se, no dia 8 de janeiro de 2023, o golpe militar realmente tivesse acontecido: o que seria do futuro do Brasil? Esse é o ponto de partida de Todo Sentimento, filme exibido na Mostra Competitiva do 59° Festival de Brasília do Cinema Brasileiro. A trama retrata a história de amor entre Henrique (Aldri Anunciação) e Gustavo (Lucas Leto) em um Brasil distópico marcado por perseguições políticas. A obra chamou atenção por funcionar como ponte com outros filmes da Rosza Filmes, consolidando o universo compartilhado dos diretores. 

    A história começa justamente na capital federal, trazendo a perspectiva de que o que se inicia no centro do país reverbera por todo o Brasil até chegar ao Recôncavo Baiano, onde a trama se desenvolve. Depois, o filme se fixa em um cenário específico: o exílio de Henrique, um jovem PCD que, sozinho, recebe a visita de um cuidador. A partir daí, a narrativa se desenrola utilizando metáforas para explicar o que aconteceu com o país e com a vida dos protagonistas. 

   Muitos desses trechos de humor não funcionaram bem pra mim. A crítica à religião e ao conservadorismo quebra totalmente o ritmo da narrativa e, em certos momentos, essas esquetes se tornam longas e de certa forma constrangedoras. Após uma abertura maravilhosa e diante de todo o potencial da premissa distópica, deparamos-nos com uma dupla de personagens que, a princípio, não tem química, além de a história aprofundar pouco acontecimentos intrigantes, que deixa o expectador confuso. 

    Todo Sentimento tem seus bons momentos. Após a primeira metade, o humor "esquisito" finalmente é deixado de lado e os dois protagonistas vivem uma conexão bonita e sentimental. Infelizmente, não tive a oportunidade de ver os demais filmes do universo compartilhado do longa e isso pode ter afetado um pouco a experiência, ainda que eu tenha sentido ruídos no longa é uma mensagem de que qualquer história de amor em tempos sombrios é bela e vitoriosa. 

Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️ BOM

#todosentimento #festivaldebrasilia #fbcb #cinema #estreia

Crítica: TUDO É TEMPO (2026) de "Marcos Guttmann"

 ​O tempo não perdoa! 🇧🇷🇧🇷🇧🇷 

   ​O documentário Tudo é Tempo, dirigido por Marcos Guttmann, foi exibido na Mostra Competitiva Nacional de Longas-Metragens da 59ª edição do Festival de Brasília do Cinema Brasileiro. Rodado ao longo de 20 anos (entre 2002 e 2022), o filme acompanha a trajetória e a evolução de quatro eleitores comuns de uma mesma seção eleitoral no Rio de Janeiro. 

   O ponto de partida foi o clima de esperança na primeira eleição do presidente Lula, em 2002, registrando como a passagem do tempo transformou as convicções políticas, afetos e visões de mundo dessas pessoas ao longo de duas décadas.

​  A produção acompanha essas transformações tendo as três eleições de Lula à Presidência do Brasil como pano de fundo. Segundo Guttmann, o projeto começou com a intenção de observar as mudanças políticas do país, mas a proposta se expandiu com o passar dos anos. 

​     O que sobressai no longa é um ensaio sobre o impacto do tempo em nós, transformando, silenciosamente, opiniões de outrora em contradições comportamentais complexas. Chega a ser hilário acompanhar os depoimentos desses personagens da vida real, é um retrato muito válido do cenário caótico do Brasil, tanto nos acontecimentos recentes quanto no modo como eles refletem na mente das pessoas. 

    Tudo é Tempo tem seu mérito: passa longe de ser um documentário maçante e traz pessoas comuns que, embora divertidas, surgem confusas com as próprias convicções políticas. No entanto, há um ruído na compreensão do espectador sobre o que motivou essas mudanças comportamentais, a falta dessa profundidade deixa uma lacuna no estudo de caso. O tempo realmente muda as pessoas? Tudo é Tempo mostra que sim, mas faz isso sem se envolver, observando o caos sem necessariamente analisar todas as vertentes apresentadas. 

Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️ BOM

#tudoétempo #festivaldebrasilia #fbcb #doc #eleições

Crítica: PEQUENAS TRAGÉDIAS (2026) de "Daniel Nolasco"

 Divertido, triste e surpreendente! 🏳️‍🌈

     Pequenas Tragédias, novo filme do diretor goiano Daniel Nolasco (Vento Seco e Apenas Coisas Boas), foi exibido no 59° Festival de Brasília do Cinema Brasileiro. O longa é um misto de documentário e ficção que confronta diretamente o conservadorismo do interior do Brasil, mais precisamente a cidade de Catalão (GO) de forma surpreendente. Se em seus trabalhos anteriores o diretor já se destacava no modo de contar histórias da comunidade LGBTQIA+, neste filme ele mergulha com profundidade trabalhando preconceitos, estereótipos, ausências, amizades e memórias da sua própria vivência. 

    ​Em Pequenas Tragédias, a cidade de Catalão, deixa de funcionar apenas como cenário como ocorreu em seus filmes anteriores e passa a ocupar o centro da narrativa. O filme observa aqueles que partiram, mas também aqueles que ficaram, encontrando em suas histórias diferentes formas de viver, desejar e construir vínculos em um lugar que, como diz o próprio lema municipal, afirma ser “bom demais para viver”. 

    Em vez de meramente retomar episódios verídicos que aconteceram consigo e com as demais figuras queer da cidade, o autor os reinventa com bastante criatividade e humor. O fetiche da masculinidade é algo constante na produção. Existe uma dose de exposição muito bem utilizada sob a condição de paródia ou de forma lúdica. Toda a nudez do filme possui uma abordagem artisticamente bonita e em nenhum momento é tratada de forma vulgar, encontrando um equilíbrio muito preciso com a seriedade de todas as histórias.

    ​Pequenas Tragédias é um filme sobre histórias reais em um Brasil que flerta com o conservadorismo, a hipocrisia e o preconceito. Em muitos momentos, a obra emociona justamente por mostrar, com muita sensibilidade, a falta de humanidade e de respeito na trajetória não só de seu diretor, mas de todos que um dia viveram essa opressão, esse medo e essa falta de liberdade de ser quem se é de verdade. Não são personagens: são vidas que, infelizmente, se transformam em pequenas tragédias. Imperdível! 

​Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️⭐️⭐️ HYPE

O filme tem previsão de lançamento em 2027 pela Embauba Filmes!

Crítica: EN PASSANT (2026) de "Fernanda Salgado"

 ​Poesia animada! 💧🌀🌊

    ​Exibido pela primeira vez no país na Mostra Competitiva do 59° Festival de Brasília do Cinema Brasileiro, Ana, en Passant é um longa-metragem em animação que combina múltiplas técnicas, como stop-motion, rotoscopia e colagens. A obra se destaca pela habilidade de mesclar realismo com uma forte atmosfera de sonho, utilizando texturas e materiais diversificados para gerar "pequenas inquietações visuais" no trajeto de luto da protagonista Ana.

    Na trama, a francesa Ana (Jéssica Pierina) recebe uma chave e a indicação de um apartamento cuja existência ignorava, deixados em uma carta por sua falecida avó. Ao viajar até o imóvel em Belo Horizonte, ela descobre que outra mulher está morando ali. Apesar do estranhamento inicial, Ana decide passar alguns dias com a nova moradora e, nessa convivência, as duas passam a compartilhar suas dores e inseguranças.

   Ana, en Passant mostra uma enorme liberdade criativa. A direção e sua equipe exploram diversos formatos e linguagens com destaque para a animação desenvolvida a partir de captação em live-action. A experiência de acompanhar essa jornada se torna vívida e intensa graças a momentos extremamente criativos repletos de recortes, pinturas e um rico trabalho artesanal. É uma animação potente, que flerta com o tradicional e o inovador para transmitir sua mensagem de forma poética.

     A poesia do filme é vívida, sensível e doce, caminhando contra qualquer pressa. A história flui como a água, elemento central da narrativa, culminando em cenas marcantes, como o momento em que o corpo de uma personagem se funde ao rio. A calmaria da obra reflete com delicadeza a angústia da protagonista em uma Belo Horizonte encantadora, vibrante e repleta de originalidade. Um filme feito para ser apreciado.

​Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️⭐️ (MUITO BOM)

#anaenpassant #festivaldebrasilia #animação #cinemabrasileiro #desenho @embaubafilmes @festcinebrasilia

Primeiras Impressões: DELEGADO (2026) de "Leonardo Lacca" e "Marcelo Lordello"

Bastidores da Polícia 🚨 🚔 🚨 

​    A série “Delegado”, produção do Canal Brasil que retrata os bastidores da Polícia Civil a partir de um olhar recifense, teve sua estreia no Festival de Brasília do Cinema Brasileiro com a exibição de três episódios na Mostra Série no Cinema. Com sete episódios ao todo, a produção é dirigida por Leonardo Lacca e Marcelo Lordello, com produção executiva de Kleber Mendonça Filho e Emilie Lesclaux. A exibição marcou um feito histórico: foi a primeira vez que o festival abriu sua tela principal para a projeção de episódios de uma série de TV. 

​  Ambientada no Recife, “Delegado” acompanha Felipe (Johnny Massaro), um jovem de classe média que entra para a Polícia Civil movido por um ideal de justiça. Ao assumir uma delegacia, no entanto, ele se depara com uma instituição marcada pela precariedade, pela corrupção e pela resistência a mudanças. Enquanto tenta conquistar seu espaço entre os colegas, Felipe precisa lidar com a ascensão de uma nova liderança do tráfico e com conflitos ligados ao passado de seu pai, que ameaçam sua carreira. 

   A obra foge dos clichês de delegacias americanizadas e supertecnológicas para expor as contradições institucionais e a realidade nordestina. Nesses primeiros episódios temos um texto afiado, repleto de críticas ao sistema e atento às nuances da corrupção na instituição. O tom da série é um destaque com uma mistura artística que vai ao foco em detalhes da atmosfera policial com uma estética realista concluindo com o choque de realidade. A trama possui um equilíbrio entre o humor ácido e um elenco de excelente química, a direção consegue ser firme em sua representação. 

    Promissora, a série tem enorme potencial para conquistar o público ao ser intensa e divertida na mesma medida. É muito interessante observar como tudo acontece em um sistema tão restrito. A estreia oficial para o grande público está agendada para o dia 30 de outubro de 2026 no Canal Brasil, chegando ao Globoplay no dia seguinte. Imperdível. 

Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️⭐️⭐️ HYPE

#delegado #canalbrasil #série #festivaldebrasilia #globoplay

Crítica: PELE MORTA (2026) de Denise Moraes e Bruno Fatumbi

 Luto, memória e resistência indígena! 🏹🏹

​     O filme brasileiro A Pele Morta (2026) é um drama de estrada dirigido por Denise Moraes e Bruno Fatumbi Torres que marcou a abertura do 59º Festival de Brasília do Cinema Brasileiro. A obra acompanha Saulo, um jovem rapper guarani-kaiowá em luto pela morte do irmão, que viaja pelas estradas da América do Sul com o caminhoneiro uruguaio Justo em busca de fretes. No caminho, eles dão carona a Rosario, uma jovem que procura pela irmã desaparecida, transformando a rota em uma jornada, sobretudo, de sobrevivência.

​    A obra não foge do estilo "filme de estrada", muito comum no cinema nacional: é fluida, ainda que imprima o tom realista e quase documental dos acontecimentos. É interessante observar a imprevisibilidade da essência de seus protagonistas, enquanto o drama se desenvolve a partir da convivência e da solidariedade entre os três em direção ao que cada um procura. O tom introspectivo da trama obtém sucesso na abordagem do luto, da identidade, da ancestralidade e das marcas da exploração em comunidades indígenas na fronteira entre o Brasil e o Paraguai.

   A produção do longa chegou a ser interrompida após a morte do diretor Geraldo da Rocha Moraes, em 2017, aos 78 anos. Como forma de homenagem, sua esposa, Solange Moraes, convidou os filhos do cineasta, Denise Moraes e Bruno Fatumbi Torres, ambos com formação em cinema  para dar continuidade ao trabalho. Mesmo sem seu idealizador principal, é notável como a narrativa manteve a coesão até o fim.

​    A Pele Morta é um filme bonito em diversos aspectos e, principalmente, conecta o Brasil às suas raízes latinas e indígenas, bem como ao processo de enfrentamento ao subdesenvolvimento. A melancolia dos personagens, o peso da realidade e os recursos cinematográficos utilizados tornam a experiência profunda e necessária.

Meu hype: ⭐️⭐️⭐️ BOM

#apelemorta #festivaldebrasilia #cinema #filme #indigenas @borboletasfilmes @festcinebrasilia

59º Festival de Brasília do Cinema Brasileiro

 59º Festival de Brasília do Cinema Brasileiro (@festcinebrasilia) começa nesta sexta (11/9) com 71 filmes, 1 série inédita e novas mostras! 

   A mais tradicional e longeva mostra cinematográfica do país, o Festival de Brasília do Cinema Brasileiro anuncia a seleção de sua 59ª edição, a ser realizada de 11 a 19 de setembro, no Cine Brasília, exibindo produções marcadas pela diversidade temática, de linguagem e de regiões. 

    Com novas sessões especiais e mostras paralelas, o festival ainda conta com programações formativas, atividades de mercado e ações em outros equipamentos culturais do Distrito Federal. Os ingressos para a Mostra Competitiva Nacional no Cine Brasília estarão à venda a partir desta quinta (10/9), pelo site ingresso.com e na bilheteria do cinema. Todas as demais atividades e mostras, inclusive a reprise da Competitiva Nacional, têm entrada franca, sujeita à lotação. 

     Sob a presidência do secretário de Cultura e Economia Criativa do DF, Fernando Modesto, com direção geral de Sara Rocha, o 59º Festival de Brasília do Cinema Brasileiro tem direção artística do crítico, cineasta e programador Eduardo Valente. A edição apresenta um panorama do mais novo cinema brasileiro, com produções de Norte a Sul do país, além de exibir alguns clássicos e materiais raros históricos. 

    O 59º Festival de Brasília registrou um recorde de inscrições, com quase 2 mil títulos entre curtas e longas, das quais foram selecionados 7 longas-metragens e 12 curtas para a Mostra Competitiva Nacional, além de 4 longas e 8 curtas para a Mostra Brasília. Ao todo, o festival exibe mais de 70 produções, distribuídas em seis outras mostras e nas sessões especiais, incluindo a sessão de abertura, com exibição do curta Brasília Planejamento Urbano (1965) e do longa inédito A Pele Morta, de Denise Moraes e Bruno Torres; e a de encerramento, com Verão da Lata, de Santiago Dellape. 

   O festival acontece no histórico Cine Brasília, para mais detalhes dos filmes e informações acompanhe no site oficial https://festcinebrasilia.com.br/, estarei na cobertura do evento juntamente com o Meu Hype! 

#festivaldebrasilia #festbrasilia #cinema #filmes #brasilia

A MARAVILHOSA ÁRVORE ENCANTADA (2026) de "Ben Gregor"

 Desconecte-se e encante-se! ⚜️⚜️⚜️

​     Uma das surpresas do ano, A Maravilhosa Árvore Encantada é um filme aconchegante, cativante e sutilmente inspirador. Combinando personagens peculiares, humor delicado e uma mensagem oportuna sobre a importância de nos desconectarmos, a obra se consolida como uma aventura familiar envolvente. Com semelhanças a clássicos mágicos como Nanny McPhee e Paddington, o longa adiciona um charme lúdico a um cenário cinematográfico. Baseado na série de livros de Enid Blyton, a trama apresenta terras fantásticas que ajudam uma família perdida a se reencontrar.

​     Polly (Claire Foy) e Tim Thompson (Andrew Garfield) levam uma vida urbana convencional com seus três filhos: Fran (Billie Gadsdon), Joe (Phoenix Laroche) e Beth (Delilah Bennett-Cardy). Houve um tempo em que os Thompson aproveitavam bons momentos juntos; ultimamente, porém, cada um parece isolado em sua própria bolha, refletindo a dinâmica de uma família desconectada e sobrecarregada pelo uso excessivo da tecnologia. É a corajosa demissão de Polly que dá o pontapé inicial na história: sem o apartamento da empresa, eles precisam se mudar imediatamente para o campo.

​     A narrativa ganha força ao furar essa bolha e abordar um tema essencial para as novas gerações: o valor de viver momentos divertidos em família sem depender do mundo digital. Embora fique claro desde o início que a tensão se dissipará e o final feliz virá, é encantador ver a família redescobrir o prazer da convivência. O filme sopra vida nova a uma obra da década de 1940, adaptando-a com uma sensibilidade moderna altamente relevante para os pais de hoje.

​     Sem tentar parecer maior do que é, o filme soa pontualmente apressado, com elementos de fantasia que perdem um pouco do impacto emocional durante a exibição, ainda assim A Maravilhosa Árvore Encantada entrega um drama familiar comovente. É um lembrete bem-vindo de que nunca devemos deixar morrer nossa criança interior.

​Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️⭐️ (MUITO BOM)

CÓDIGO VINGANÇA (2026) de "Jean François Richet"

 

​O "arroz com feijão" do Statham

​    O astro hollywoodiano Jason Statham pertence a uma geração que ocupou o espaço deixado há tempos por Schwarzenegger, Stallone, Bruce Willis e muitos outros. Seus filmes trazem personagens cuja persona é quase sempre a mesma, e o enredo não foge da tradicional "vingança" ou de algum resgate improvável. Código Vingança tem todos esses elementos e acerta no "menos é mais": poucos cenários e muita pancadaria.

   Assim como acontece com outros protagonistas dessa onda do cinema de ação, como Dwayne Johnson, a presença marcante de Statham é tanto seu ponto forte quanto seu principal limite: seus filmes são, cinematograficamente, sempre parecidos. Statham por muito tempo foi o muso dos policiais britânicos de Guy Ritchie e também de produções de ação sofisticadas, como a franquia Carga Explosiva. De vez em quando, surpreendia como na comédia sutil e autoconsciente em A Espiã Que Sabia de Menos, de Paul Feig.

    Quando Statham se juntou às sagas Os Mercenários e Velozes e Furiosos, ele já havia consolidado sua reputação no gênero, mas ainda não havia encontrado um nicho puramente seu. Tudo isso mudou nos últimos anos, graças a uma sequência notavelmente consistente de lançamentos interpretando homens da classe trabalhadora, sempre obcecados por vingança, detentores de habilidades específicas que se revoltam ao se deparar com uma injustiça. É uma fase que lembra quando Charles Bronson encontrou seu próprio estilo no primeiro Desejo de Matar, ou Liam Neeson em Busca Implacável.

​    Código Vingança finalmente encapsula o que define "um filme de Jason Statham" e, embora possa não ser seu melhor trabalho, parece ser o mais essencial. É uma máquina de pancadaria enxuta e eficiente, sem praticamente nenhum excesso. A abordagem não tenta reinventar a roda; em vez disso, torna as lutas o mais limpas possível, sem deixar de ser dinâmicas. Há uma notável sensação de movimento e direção em cada sequência. Isso significa que, embora não exista nenhum elemento extravagante que impressione o fã de ação mais exigente, sua clareza e intensidade funcionam em perfeita harmonia com o herói implacável. Um bom entretenimento de ação.

​Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️ BOM

DA MAGIA A SEDUÇÃO - FEITIÇO DE AMOR (2026) de "Susanne Bier"

Feitiço meio quente, meio morno!

​     Na moda atual de Hollywood, o filme Da Magia à Sedução, uma clássica comédia romântica dos anos 90, retorna em uma continuação que homenageia o original e atualiza a vida das personagens. É reconfortante voltar a esse universo, mas a história "heteronormativa" demais por trás desse retorno quase não se sustenta.

​     As atrizes Sandra Bullock e Nicole Kidman já eram grandes estrelas quando o longa foi lançado nos cinemas, em 1998. Na época, a obra foi uma decepção para o estúdio e gerou prejuízos. No entanto, mesmo com o fracasso de bilheteria, o filme virou cult nas locadoras (ainda vivas na época), nas vendas de DVDs (que viviam o auge antes da transição para o Blu-ray) e na TV por assinatura, com presença maciça na programação da HBO. No Brasil, o longa fazia parte da gigante parceria do SBT com a Warner Bros. e era exaustivamente exibido na rede aberta. Eram outros tempos.

​    Atualmente, existe uma grande carência de dramas familiares e comédias românticas no estilo daquela época. O espaço de Hollywood nessa fatia do gênero foi totalmente engolido pelos streamings e pelas mídias verticais, sejam doramas, novelas turcas ou reels. Esse público se acostumou com histórias muito mais modernas, porém com pouca originalidade e às vezes sem profundidade. Nesse quesito, o novo filme ganha força com uma narrativa mais tradicional, singela e cheia de coração.

     ​Da Magia à Sedução, Feitiço de Amor  é aquela história melosa, bobinha e divertida que certamente passaria na Sessão da Tarde de antigamente (que hoje em dia virou sessão religiosa!). O drama familiar dessas bruxas funciona como um bom passatempo e serve para aquecer o coração de quem viveu o auge desse tipo de cinema nos anos 90.

​Meu Hype: ⭐️⭐️⭐️ BOM

 

IDIOTAS (2026) de "Macon Blair"

 Sem graça! 😒😒😒

    A nova comédia Idiotas é uma espécie de retorno às comédias anárquicas de maconheiros que prosperaram no final dos anos 2000. O filme consegue êxito como uma aventura, mas nunca é caótico o suficiente para fazer jus à sua premissa de humor sem limites. O diretor Macon Blair passa por todos os clichês do gênero: carro quebrado em lugar isolado, motel decadente, "brisa" de drogas, fuga de personagens e por aí vai. 

    Na história, sem sorte e sem van, Davis (O'Shea Jackson Jr.) é demitido do emprego. Tudo o que lhe resta é voltar ao trabalho antigo: dirigir para um serviço de transporte que leva pessoas em situação de vulnerabilidade para clínicas de reabilitação. Em sua primeira missão ao lado do novo parceiro, Mark (Dave Franco), a dupla precisa usar o carro velho de Mark para transportar o adolescente rico e emocionalmente problemático Sheridan Kimberly (Mason Thames) até a reabilitação, a pedido dos pais do jovem.

    A temática do conflito geracional, que sugere que a idiotice destrutiva une homens de todas as faixas etárias é a ideia mais rica de Idiotas. No entanto, ela é prejudicada por um roteiro simplista, que luta para definir os personagens e se esforça para encontrar humor enquanto Mark e Davis tentam concluir o trabalho em uma série de cenários cada vez mais insanos na proposta de um road movie (filme de estrada). O aspecto mais marcante desse trio de protagonistas é a surpreendente falta de energia, fazendo com que as desventuras exageradas se desenrolem de forma lenta e sem graça.

    ​Idiotas raramente faz rir, deixando de lado o humor original e pastelão desse tipo de produção em favor de piadas mecânicas e cansativas, como uma sequência exasperante com Nicholas Braun no papel de um rapper chamado Pricka Bush Da Werewoof. Dave Franco parece pouco inspirado ao interpretar um maconheiro em uma versão preguiçosa do arquétipo que seu irmão mais velho, James Franco, costumava fazer em comédias de sucesso. Em resumo, as fórmulas tradicionais do gênero não funcionam, e Idiotas falha ao se revelar uma comédia sem inspiração.

Meu Hype: ⭐️⭐️ FRACO

#Idiotas #idiots

O SORVETEIRO (2026) de "Eli Roth"

 

Sorvete Derretido! 🍦🍦🍦 

     O diretor especialista em terror Eli Roth (O Albergue e Feriado Sangrento) erra feio em seu novo filme. Ele confunde excesso autoconsciente com subversão, servindo um festival de sangue sem inspiração, nada assustador e com um roteiro precário que se esconde atrás da carnificina. O certo é que O Sorveteiro falhou em praticamente todos os aspectos criativos a que se propôs, existem vídeos do TikTok com edição, atuação, roteiro, fotografia e direção melhores. Mesmo para os baixos padrões do co-roteirista e diretor, Eli Roth fracassa estrondosamente. 

​   A premissa, isoladamente, é de fato interessante: a pacata cidade de Bayleen Bay recebe a visita de um caminhão de sorvetes conduzido por um vendedor silencioso e misterioso (Ari Millen). As crianças se aglomeram ao redor do veículo e compram guloseimas, apesar de seus nomes claramente assustadores (Redemoinho de Serpente, Mordida de Crocodilo, etc.). Assim começa uma carnificina em que todas as crianças que tomaram o sorvete parecem possuídas por algo profundamente sobrenatural. 

    O aspecto mais estranho de O Sorveteiro é o uso de IA generativa. As mortes são extremamente artificiais, indicando que Roth ou sua equipe perderam o interesse pelo processo criativo ou nunca o valorizaram de verdade. Aplicar essa tecnologia ao terror, um gênero cujas raízes prezam a originalidade e o domínio dos efeitos práticos, é uma traição categórica a tudo o que o meio representa. Não é inovação, é economizar em tudo sob o pretexto de produtividade. 

    A julgar pelos diálogos fracos, pela história inacabada e pelo humor de mau gosto, os efeitos especiais não são a única coisa em que a equipe economizou. Mesmo os fãs do terror "gore" ficarão decepcionados com tamanho desperdício. As leis da probabilidade sugerem que algo deveria ter dado certo, mesmo que por acaso mas não. Vulgar, imaturo e lento, O Sorveteiro fracassa em todas as suas tentativas e atinge o nível de um verdadeiro desastre. Poderia ter sido aquele tipo de "filme ruim que diverte" mas sua execução é vergonhosa. 

​Hype: ⭐️ MUITO RUIM

#osorveteiro #icecreamman #terror #gore #cinema

MINHA MELHOR AMIGA (2026) de "Susana Garcia"

 Mais do mesmo! 🫠🫠🫠

    A diretora Susana Garcia assina duas das maiores bilheterias do cinema brasileiro: Minha Vida em Marte e Minha Mãe é uma Peça 3. Seu novo longa, Minha Melhor Amiga, é sem dúvidas uma aposta para que produções nacionais voltem a alcançar sucesso de público, algo que não acontece desde o hit O Agente Secreto. No entanto, juntar duas estrelas da comédia nacional como Mônica Martelli e Ingrid Guimarães merecia um texto mais bem cuidado, que não repetisse fórmulas nem entregasse a mesma piada à exaustão.

​    Com uma proposta bastante conhecida, o filme encontra força principalmente no carisma de suas protagonistas. Na trama, Clara e Júlia são duas amigas de longa data que precisam lidar com o "ninho vazio" após suas filhas, Manu (Giulia Benite) e Isadora (Gabi Amaral), viajarem para Portugal para um intercâmbio. Diante de frustrações profissionais e relacionamentos estagnados, as duas decidem embarcar para a Europa. O que deveria ser apenas um reencontro e uma viagem de lazer acaba se transformando em uma jornada de descobertas, perrengues e revelações que as faz repensar a própria vida e a força da amizade entre elas.

    ​Ingrid e Mônica demonstram muito talento individual para driblar a previsibilidade do roteiro, equilibrando humor e emoção sem deixar que suas personagens se tornem meras caricaturas. Há um cuidado interessante em abordar temas como amor-próprio, amadurecimento, liberdade e a busca pela própria identidade. Em alguns momentos, as situações se desenvolvem bem e geram cenas hilárias. Em outros a trama emperra e precisa de constantes pausas para voltar a fluir. A longa duração também pesa.

​    O saldo final é satisfatório para quem busca apenas uma distração sem compromisso, mas decepcionante para quem esperava um avanço no gênero, seja na narrativa ou em algo original e menos previsível.

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Dica: Não saia antes dos créditos, pois há erros de gravação hilários.

​Meu Hype: ⭐️⭐️ REGULAR

PONTO SEM RETORNO (2026) de "Ridley Scott"

 

Ponto Morto! ⚠️⚠️⚠️

​    O aguardado thriller de sobrevivência pós-apocalíptico dirigido por Ridley Scott, baseado no livro homônimo, é o tipo de filme que instiga e faz refletir sobre as relações humanas, mas que, infelizmente, não leva a lugar nenhum. A obra surge como um híbrido estranho de produções como Eu Sou a Lenda, Extermínio e trechos de várias temporadas de The Walking Dead. Em suma: se você já está familiarizado com histórias pós-apocalípticas, esta produção pode soar decepcionante e repleta de clichês.

​    A trama acompanha Hig (Jacob Elordi) dez anos após uma superbactéria ter causado o fim do mundo como o conhecemos. Não há muitas informações além disso, tampouco flashbacks que mostrem a vida antes do colapso, algo que faz muita falta, pois impede o público de conhecer os personagens a fundo e de sentir o peso do que perderam. Hoje, Hig voa em um Cessna para levar suprimentos à fazenda isolada que divide com Bangley (Josh Brolin), um militar especialista em sobrevivência.

   ​Durante um dos voos, Hig capta uma misteriosa transmissão de rádio e decide investigar sua origem, motivado pela esperança de reencontrar a humanidade na qual ainda acredita. Esse desejo o força a sair da zona de conforto para explorar o novo mundo e encarar seus reais perigos. Sem entregar spoilers, a premissa resume-se a isso. Não há surpresas. É impressionante ver um elenco tão talentoso ser subaproveitado, incluindo a personagem de Margaret Qualley, que surge apenas para cumprir o papel de par romântico do protagonista.

​    Em certa medida, Ponto sem Retorno tenta reproduzir os clichês do cinema de sobrevivência hollywoodiano ao mesmo tempo em que busca adaptar o romance de Peter Heller. Fracassa em ambos. São quase duas horas de um roteiro preguiçoso que não sai do lugar onde nem a intensidade das cenas de ação empolga. No fim das contas, o filme é insosso e mostra um diretor talentoso filmando com obstinação, mas sem qualquer brilho. Decepcionante.

​Meu Hype: ⭐️⭐️ FRACO